Die 25 besten

Stummfilme

der Kinogeschichte

Metropolis zählt zu den bekanntesten Stummfilmen überhaupt und beeinflusst die Kinogeschichte mit seinen visionären Bildern bis heute. Der bis dato teuerste deutsche Film protzt mit enormen Materialaufwand und Tausenden Statisten, die Kulissen und Effekte suchten ihresgleichen. Fritz Langs Inszenierungskunst reizt die Schauwerte maximal aus und verleiht der großen Vision dennoch etwas Bodenständiges. Die Handlungsebene, die sich vieler religiöser Motive und den Ressentiments der Weimarer Republik bedient, fällt hingegen deutlich ab.

Für Kriminalfilme ist Yasujirō Ozu nicht bekannt, doch in diesem Frühwerk nutzt der japanische Regisseur das Genre und schildert in finsteren Bildern, wie ein Bankräuber durch eine nächtliche Großstadt flüchtet. Erst die zweite Filmhälfte führt uns in typischere Gefilde und bringt den melodramatischen Kern der Handlung zum Vorschein. Die Frau jener Nacht wandelt sich zum Kammerspiel und entwirft ein moralisches Dilemma, dessen Unlösbarkeit die Menschlichkeit der Protagonisten auf die Probe stellt.

Vier Jahre nach Das Cabinet des Dr. Caligari drehte Robert Wiene seinen zweiten Meilenstein: Im österreichische Horrorfilm Orlacs Hände verliert ein Pianist seine beiden Hände und bekommt die Gliedmaßen eines hingerichteten Mörders transplantiert. Da der Protagonist von nun an mörderische Impulse in den Fingerspitzen spürt, kann Wienes Klassiker als früher Vertreter des Body Horrors gelesen werden. Das niedrige Tempo und das Schauspiel von Conrad Veidt zollen ihrem Alter inzwischen Tribut, die finstere Stimmung hat sich jedoch gut gehalten.

Die Göttliche zählt zu den Höhepunkten des chinesischen Stummfilmkinos. Das Drama schildert die existenzielle Krise einer Prostituierten, die sich auf eine Liaison mit einem Gangster einlassen muss, um ihren kleinen Sohn zu ernähren. Der späte Stummfilm nähert sich seiner Protagonistin ohne moralischen Impetus, überzeugt mit einer ausgereiften Bildsprache und der umwerfenden Hauptdarstellerin Ruan Lingyu, die sich ein Jahr später im Alter von nur 24 Jahren das Leben nahm.

Bevor Ernst Lubitsch nach Amerika emigrierte und dort für seine „Sex Comedys“ berühmt wurde, drehte er bereits in Deutschland zahlreiche Filme, die sich augenzwinkernd mit dem Verhältnis zwischen Mann und Frau beschäftigen. So auch in der Slapstickkomödie Die Puppe, in der ein junger Adliger eine mechanische Puppe heiratet, bei der es sich jedoch um die menschliche Tochter des Erbauers handelt. Die schelmische Ossi Oswalda spielt herrlich mechanisch und Lubitsch inszeniert den Film mit einem rasanten Tempo und viel Gespür für die Situationskomik.

Der kleine Bruder versetzt Komödienstar Harold Lloyd in den Wilden Westen. Wie so oft spielt Lloyd einen bebrillten Schwächling, der trotz seiner Tollpatschigkeit die Traumfrau erobern und den Respekt seiner Familie verdienen will. Der Film spielt auf amüsante Weise mit den Klischees des Wildwest-Settings und nutzt den Kontrast zwischen dem zimperlichen Llyod und seiner hartgesottenen Umgebung; mehrere rasante Verfolgungsjagden und eine insgesamt hohe Gagdichte sorgen für beste Unterhaltung.

Spuk im Schloss ist der Urahn aller Horrorkomödien: Die Adaption eines erfolgreichen Bühnenstücks versammelt ein halbes Dutzend Figuren in einer spukigen Villa voller Geheimtüren und mysteriöser Gestalten. Dem deutsche Regisseurs Paul Leni gelingt der Spagat zwischen den Genres: Spuk im Schloss funktioniert sowohl als spannendes Mysterykino wie als humorvoller Reigen, das Setdesign und die Darsteller überzeugen ebenfalls.

Mit Varieté gelang Ewald André Dupont 1925 ein Welterfolg. Der Regisseur inszeniert die Geschichte von Liebe, Eifersucht und Mord in der Artistenszene mit viel Kolorit – die Milieuwechsel von einfachen Schaubuden bis in edle Theater sorgen für eine dichte Stimmung, wozu auch die ansehnlichen Sepia-Bilder beitragen. Zudem besitzt Duponts Werk in Emil Jannings und Lya de Putti zwei charismatische Darsteller.

In erzählerischer Hinsicht gehört Der letzte Mann zu den modernsten Filmen seiner Zeit: Regisseur Murnau artikuliert die Handlung derart souverän durch Bilder, dass er fast komplett auf Texttafeln verzichten kann. Ein wesentlicher Faktor dafür ist die virtuose, mitunter subjektive Perspektiven einnehmende Kamera des Pioniers Karl Freund. Einmal mehr besticht Emil Jannings in der Hauptrolle, der 40-Jährige spielt den alten Mann in jeder Hinsicht überzeugend. Das naive, von den Produzenten durchgesetzte Finale schmälert den Gesamteindruck nur unwesentlich.

Das Vorzeigewerk des expressionistischen Kinos besticht durch seine überbordenden Schauwerte: Die verfremdeten Kulissen mit ihren aufgemalten Schatten und verzerrten Perspektiven nehmen uns den sicheren Halt – in dieser surrealen Filmwelt erscheint alles möglich. Passend dazu bleibt der übernatürliche Plot lange mysteriös; das heutige Marketing würde Das Cabinet des Dr. Caligari schon aufgrund des Finales als Mindfuck-Movie verkaufen und täte gut daran – der Horrorfilm legte viele Grundlagen für seine Nachfolger.

Der japanische Stummfilm Eine Seite des Wahnsinns ist in seinem Kern ein Melodram, mutet jedoch wie ein Horrorfilm an. Das Werk des visionären Regisseurs Teinosuke Kinugasa spielt in einer psychiatrischen Klinik und fängt diesen Ort des geistigen Verfalls auf bedrückende Weise ein: Die harten Kontraste tauchen die Anstalt in Finsternis, Schattenspiele und Doppelbelichtungseffekte spiegeln die Wahrnehmung der Insassen. Der Verzicht auf Texttafeln verleiht dem surrealen Film eine zusätzliche Wucht.

Die Büchse der Pandora zählt zu den späten deutschen Stummfilmen und ist wohl die bekannteste Arbeit von G. W. Pabst, der die Adaption eines Bühnenstücks von Frank Wedekind im Stil der Neuen Sachlichkeit inszenierte. Die ungeschminkte Direktheit – der soziale Abstieg einer jungen Frau macht auch vor Prostitution und lesbischer Liebe nicht Halt – brachte dem Film Probleme mit der Zensur ein. Aus heutiger Sicht beeindruckt vor allem das moderne Schauspiel von Hauptdarstellerin Louise Brooks, die nicht nur das im Stummfilm essenzielle Charisma einbringt, sondern auch die tragischen Seiten der Rolle meistert, indem sie jederzeit nahbar spielt.

Der späte Stummfilm von King Vidor knöpft sich die Schattenseiten des American Dream vor und erzählt von einem chronisch unzufriedenen Mann, der immer höher hinaus will und dadurch immer tiefer fällt. Vidor trägt seine Botschaft ohne erhobenen Zeigefinger vor und entglorifiziert den amerikanischen Traum, ohne plump zu werden. Dabei wirkt Ein Mensch der Masse technisch ausgereift und überzeugt mit einer sorgsamen Dramaturgie und vielen Details.

Das Kino hatte sich längst dem Tonfilm zugewandt, als Chaplin 1931 seinen vorletzten Stummfilm drehte. Lichter der Großstadt ist ein Triumph für Chaplins Kunst, die hier in all ihren Facetten zu bestaunen ist: Chaplins Körpersprache verleiht dem Tramp eine ironische Anmut und zwingt ihn in urkomische Szenen wie dem berühmten Boxkampf oder einem betrunkenen Restaurantbesuch. Wie immer steckt in dem humoristischen Konzept eine Kritik an der sozialen Kälte der Menschen, zugleich erzählt Chaplin eine romantische Fabel, die rührend und menschlich zugleich ist.

Nach einer Reihe bemerkenswerter Arbeiten galt der Schwede Victor Sjöström als einer der besten Regisseure der Welt und wurde schließlich von MGM nach Hollywood gelotst. Aus der amerikanischen Schaffensphase sticht Der Wind hervor – ein aufwühlendes Drama, in dem eine junge Frau gegen die Männerwelt des Wilden Westens ankämpft, wobei der bedrückende Film auch vor Vergewaltigung und Mord nicht zurückschreckt. In besonderer Erinnerung bleiben das apokalyptische Finale und die Schauspielkunst von Lillian Gish.

Als Chaplins vierter Langfilm entstand, durchlebte der Regisseur eine schwere Zeit: Er kämpfte mit einer millionenschweren Scheidung und Ermittlungen wegen Steuerhinterziehung. Vielleicht ist Der Zirkus deshalb tragischer als andere Filme des Briten angelegt; sein Tramp mutet einsamer an, die Liebe bleibt unerfüllt. Dennoch fährt der Film Chaplins bewährten Slapstick auf und betont die tolle Körperbeherrschung des Komikers, der zudem ein stimmungsvolles Bild des Zirkus-Milieus zeichnet.

Der erste Antikriegsfilm der Kinogeschichte zählt nach wie vor zu den Höhepunkten des Genres. King Vidors Stummfilm Die große Parade überrascht zunächst: Nach der Grundausbildung wird der Protagonist nach Frankreich versetzt, landet jedoch nicht auf dem Schlachtfeld, sondern in den Armen einer jungen Französin. Indem Vidor Elemente einer romantischen Komödie nutzt, setzt er einen wirkungsvollen Kontrast – die Gefechte des Ersten Weltkrieges wirken durch die zuvor gezeigte Herzlichkeit noch sinnloser und brutaler.

Der russische Propagandafilm Panzerkreuzer Potemkin revolutionierte die Sprache des Kinos: Der geniale Regisseur und Theoretiker Sergei M. Eisenstein entwickelte mit der Attraktionsmontage ein bahnbrechendes Gestaltungsmittel. Anhand des dynamischen und suggestiven Filmschnitts formt er die Geschichte der Entstehung und Niederschlagung des antizaristischen Aufstandes des Jahres 1905 zu einem wuchtigen Erlebnis, das die Filmgeschichte bis heute beeinflusst.

Der Fuhrmann des Todes markiert einen Höhepunkt des europäischen Stummfilmkinos und verbindet sozialen Realismus mit Elementen aus dem Fantasy- und Horrorgenre. Dies gelingt auch aufgrund der herausragenden Doppelbelichtungseffekte, mit denen der Film die Geisterwelt in der Realität verankert und fortwährend für grandiose Bilder sorgt. Zudem besticht die Adaption der Novelle von Selma Lagerlöf durch eine komplexe Erzählstruktur, die sogar Rückblenden innerhalb von Rückblenden einsetzt.

Der erste Gangsterfilm der Kinogeschichte: 1927 produzierte Paramount Unterwelt als unbedeutendes Nebenprojekt, doch die neue Spielart des Kriminalfilms entwickelte sich zu einem Erfolg und gewann sogar einen Oscar. Als treibende Kräfte erwiesen sich zwei kommende Hollywoodgrößen: Drehbuchautor Ben Hecht verpasste dem Plot ein hohes Tempo und eine moderne Dramaturgie, Regisseur Josef von Sternberg inszenierte die Welt der Berufsverbrecher in einem poetischen Tonfall und nahm mit seinen ausdrucksstarken Bildern den Film Noir vorweg.

Das in zehn Teilen gedrehte Epos Die Vampire kommt auf 400 Minuten Laufzeit und vergeht wie im Flug. Louis Feuillade schildert den Kampf eines Journalisten gegen die titelgebende Verbrecherorganisation im Stil eines Groschenromans: Unzählige Twists und Bösewichter geben sich die Klinke in die Hand, im Minutentakt konfrontiert der Film seinen Helden mit Geheimtüren, Anschlägen und Entführungen. Der überbordende Einfallsreichtum sorgt für eine durchweg unvorhersehbare Handlung, deren kuriose Irrungen und Wirrungen einen enormen Unterhaltungswert offenbaren.

Frau im Mond beginnt als Krimi um Wirtschaftsspionage und überführt die Konflikte und Protagonisten seiner Geschichte in der zweiten Filmhälfte auf den Mond. Als letzter großer deutscher Stummfilm wirkt Langs Werk technisch ausgereift: Die Kameraarbeit, Kulissen, Effekte und das Schauspiel überzeugen. Die ausgefeilte Dramaturgie funktioniert ausgezeichnet und die veralteten wissenschaftlichen Annahmen – Schwerkraft, Temperatur und Luftsauerstoff des Film-Mondes gleichen der Erde – tun dem Vergnügen keinen Abbruch, sondern betonen noch seinen Charme.