Die Strömungen der Filmgeschichte

Beim Poetischen Realismus gehen Magie und Melancholie Hand in Hand. Geprägt durch die französische Wirtschaftskrise der Dreißiger Jahre, porträtiert die Strömung Menschen aus einfachen Verhältnissen und richtet sein Augenmerk auf ihre Milieus. Oft kämpfen die Protagonisten des Poetischen Realismus um ihr persönliches Glück und scheitern dabei an den Umständen oder dem Schicksal.

Rund zwanzig Jahre lang bereicherte Hollywood die Kinos mit düster gestalteten Kriminalfilmen. Deren heruntergekommene Detektive und abgebrühte Femme fatales gingen ebenso in die Popkultur ein wie ihr pessimistischer Tonfall. Damit zählt die Schwarze Serie auch abseits seiner zahllosen Klassiker zu den einflussreichsten Strömungen der Filmgeschichte.

Noch während des Zweiten Weltkrieges schwang sich der Italienische Neorealismus zu einer bedeutenden Filmströmung auf, die sich nach dem Ende des Krieges voll entfaltete. Die Werke dieser Ära schildern die kläglichen Lebensumstände der unteren Bevölkerungsschichten und nutzen dabei eine semidokumentarische Inszenierung, die den Filmen zugunsten der Wahrhaftigkeit alles Künstliche austreiben sollte.

Die Nouvelle Vague wischte die altmodischen “Filme der Väter” beiseite und entwickelte das moderne Kino. Erstmals beschäftigten sich Filme selbstreferenziell mit sich selbst, anstatt lediglich Geschichten mit Bildern zu erzählen. Mit der Generalüberholung von Inszenierung, Schnitt und Erzählweise legte die Nouvelle Vague die Grundlagen unserer heutigen postmodernen Filme, Musikvideos und Werbespots.

Die British New Wave gab den einfachen Leuten eine Stimme: Die Filmemacher der Strömung drehten zu Beginn der Sechziger Jahre eine Reihe von Sozialdramen, die den Alltag der englischen Arbeiterklasse porträtierten. Aufgrund ihrer Wurzeln im Dokumentarfilm verzichtet die British New Wave auf Pathos, hält die Inszenierung lebensnah und zeichnet sich durch eine große Wahrhaftigkeit aus.

Die Japanische Neue Welle (Nūberu bāgu) entstand innerhalb des Studiosystems und wurde von diesem gestützt, weil die frischen Ansätze dieser Filme neue Zielgruppen erschlossen. Die Vertreter der Japanischen Neuen Welle brachen mit altmodischen Themen und der traditionellen Inszenierung. Sie spiegelten die gesellschaftlichen Umwälzungen der Nachkriegsära, scheuten keine Tabubrüche und setzten auf eine radikale Inszenierung.

Mitte der Sechziger Jahre gelangte das traditionelle Hollywood-Kino an einen kreativen Nullpunkt, der eine neue Strömung ermöglichte. Das New Hollywood legte die kreative Kontrolle der Produzenten in die Hände junger Regisseure, die so unkonventionelle Filme drehen konnten. Gesellschaftskritische Werke mit Außenseitern als Protagonisten sorgten für die Wiederbelebung des amerikanischen Kinos.

Als das sozialistische Regime in den Sechziger Jahren die Zügel lockerte, bildete die Tschechoslowakei ein Kreativzentrum des Kinos. Ambitionierte Filmemacher nutzten die neue Kunstfreiheit und drehten bemerkenswerte Werke mit oft heiterem Tonfall, in dem sich Spitzen gegen die Politik und die Gesellschaft verbargen. Die Niederschlagung des Prager Frühlings beendete die blühende Strömung viel zu früh, doch ihre experimentierfreudigen Filme bleiben.

Pinku eiga benennt eine Strömung japanischer Exploitationfilme, die 20 Jahre lang einen beträchtlichen Marktanteil beanspruchte. Oft mit minimalem Budget gedreht und nur 60 Minuten lang, kommen Pinku eiga („pinke Filme“) mit einem rudimentären Szenario aus und konzentrieren sich auf die Darstellung von Sex und Gewalt. Der Reiz der moralisch fragwürdigen Werke liegt in der exzessiven Inszenierung, die mit Stilregeln bricht und so unvorhersehbar bleibt.

Der Begriff Giallo bezeichnet italienische Genrefilme, die zwischen Krimi, Thriller und Horrorfilm changieren und in den Sechzigern und Siebzigern populär waren. Durch wiederkehrende Motive – am bekanntesten ist ein nie vollständig sichtbarer Mörder mit schwarzen Lederhandschuhen und Rasiermesser – formte sich ein eigener kleiner Kosmos, der sich von herkömmlichen Genrefilmen unterscheidet.

Der Neue Deutsche Film grenzte sich vom populären Unterhaltungskino ab. Die Regisseure der Strömung arbeiteten unabhängig von den Studios und drehten als Autorenfilmer Werke mit vornehmlich gesellschaftlichen und politischen Bezügen. Neben der inhaltlichen Neuorientierung suchte der Neue Deutsche Film auch nach anderen Ausdrucksformen und setzte dem konventionellen Kino sowohl poetischere als auch radikalere Bilder entgegen.

Das in den Achtziger Jahren aufgekommene Cinéma du look suchte stets nach den effektvollsten Ausdrucksmöglichkeiten: Es galt, lebensnahe Geschichten und jede Form von Realismus beiseite zu wischen und die Magie hinter unserem Alltagsleben zu beschwören. So feiern die Vertreter der Strömung das Unwahrscheinliche und Irreale: Sie porträtieren seltsame, unangepasste Protagonisten und überlebensgroße Gefühlswelten.

Die Berliner Schule ist keine historisch gewachsene Strömung, sondern dient als Label für die Arbeiten einer losen, voneinander unabhängigen Gruppe deutscher Regisseure, die an der Deutschen Film- und Fernsehakademie Berlin ausgebildet wurden. Den Werken der Berliner Schule ist gemein, dass sie ihre Geschichten inmitten alltäglicher Szenarien platzieren und mit einer eher distanzierten Inszenierung konventionelle Erzählmuster unterlaufen.