Trial On The Road war die erste alleinige Regiearbeit von Alexei German (Es ist schwer, ein Gott zu sein). Sein Debüt begibt sich in den russischen Winter des Zweiten Weltkrieges und treibt dem Soldatentum jeden Heroismus aus. Der Protagonist entpuppt sich als Nazi-Kollaborateur und Deserteur, der von seinen Landsleute zum Kämpfen gezwungen werden muss. Dabei zeichnet er sich aber durch eine ungewöhnliche Würde und großen Mut aus. Diese Ambivalenz gefiel den russischen Behörden gar nicht – 15 Jahre lang hielten sie den Film unter Verschluss, erst 1986 erlebte Trial On The Road eine späte Veröffentlichung.

Am Vorabend des Zweiten Weltkrieges wurde Die große Illusion nicht nur in Deutschland, sondern auch in Frankreich verboten – mit seinem eindringlichen Plädoyer gegen Nationalismus und Standesdenken gefährdete Renoirs Klassiker die Moral der Soldaten. Frei von Ressentiments setzt sich der Autorenfilmer für Völkerverständigung und Frieden ein: Keine Nation, sondern der Krieg selbst dient als Antagonist des Films, der sich mit seiner universellen Botschaft eine zeitlose Gültigkeit bewahrt hat.

Für König und Vaterland basiert auf einem Theaterstück und gleicht daher einem Kammerspiel: Der Film des Exil-Amerikaners Joseph Losey spielt im Ersten Weltkrieges und benötigt nur wenige Schauplätze und Figuren. Anhand eines Kriegsgerichtsverfahrens gegen einen gefassten Fahnenflüchtigen verdeutlicht Losey die Unmenschlichkeit des Krieges und profitiert dabei von starken Schauspielern: Tom Courtenay als Angeklagter und Dirk Bogarde als Verteidiger sind exzellent aufgelegt. Trotz des reduzierten Settings glänzt der Film durch finstere Bilder und eine präsente Kriegsstimmung.

In seiner Zwiespältigkeit ist Patton ein faszinierendes Werk. Zuvorderst ein pompöser Kriegsfilm, in mitreißendem Populismus inszeniert und somit konsensfähig genug, um sieben Oscars zu gewinnen; doch gerade in seiner reaktionären Grandezza auch ein Antikriegsfilm, der die amerikanische Kriegslust spiegelt und damit (unfreiwillig?) dekonstruiert. In jedem Fall ist Patton ein gefährlich unterhaltsames Männerabenteuer, dessen dreistündige Laufzeit wie im Flug vergeht. Das ist auch ein Verdienst des herausragenden George C. Scott in der Titelrolle, der ein durchweg starkes Ensemble anführt. Während der hohe Produktionsaufwand die historische Schwere transportiert, gewinnt das Drehbuch dem Geschehen viele kleine, nahbare Momente ab. Das macht Patton zu einem zeitlosen Klassiker, an dem wir uns immer wieder reiben können.

Barfuß durch Hiroshima ist ein Animationsfilm für Erwachsene und kondensiert das gleichnamige 2.500-seitige Manga auf 83 Minuten. Die autobiografische Handlung schildert die Atombombenexplosion in Hiroshima und ihre Nachwirkung aus Sicht eines sechsjährigen Jungen, der inmitten des allgegenwärtigen Horrors überleben muss. Dabei geht der Film von Mori Masaki keine Kompromisse ein und zeigt den Effekt des atomaren Holocausts in brutaler Direktheit, was ähnlich gelagerte Werke wie Studio Ghiblis Die letzten Glühwürmchen in den Schatten stellt. Barfuß durch Hiroshima vereint ein nahbar erzähltes Einzelschicksal mit dem nationalen Trauma des japanischen Kaiserreichs und hallt lange nach.

Der Antikriegsfilm Die Brücke spielt in der Endphase des Zweiten Weltkrieges und erzählt von einem halben Dutzend Gymnasiasten, die ihre Kleinstadt gegen die einrückenden Amerikaner verteidigen sollen. Bernhard Wicki nimmt sich viel Zeit, um das Milieu der Protagonisten zu beschreiben und etabliert sie so als nahbare Figuren. Ihre jugendliche Naivität und die Wirkmächtigkeit der nationalsozialistischen Ideologie ergeben eine verhängnisvolle Mischung; die offensichtliche Leere der Nazi-Parolen verneint jeden Heroismus schon im Ansatz. Damit stellt Die Brücke die Sinnlosigkeit des Krieges nachdrücklich heraus – das Sterben bleibt schrecklich willkürlich und dient keinem Zweck.

Der tschechoslowakische Antikriegsfilm Wagen nach Wien schildert den Zweiten Weltkrieg über ein stark verdichtetes Szenario: Zwei desertierte deutsche Soldaten zwingen eine einheimische Bäuerin, sie per Pferdekarren in Richtung Heimat zu fahren. Die Reise durch den endlosen böhmischen Wald entwickelt sich zum psychologischen Duell zwischen den beiden Parteien, wodurch das Road-Movie paradoxerweise einen kammerspielartigen Einschlag erhält. Auch aufgrund der ansehnlichen Schwarz-Weiß-Bilder erzeugt Wagen nach Wien eine dichte Stimmung und dauerhaftes Suspense.

In dem autobiographisch gefärbten Antikriegsfilm der DEFA kehrt ein 19-jähriger Exildeutscher im Dienst der sowjetischen Armee zurück in sein Heimatland. Regisseur Konrad Wolf setzt auf einen semidokumentarischen Stil und lässt die Zustände der letzten Kriegswochen für sich sprechen: Es herrscht eine regelrecht apokalyptische Stimmung; nichts scheint mehr von Belang zu sein und doch ist der Tod noch allgegenwärtig. Aufgrund der „unschuldigen“ Perspektive des jungen Protagonisten erhält der Film eine große Nahbarkeit. Die Hauptfigur verkörpert die Suche nach einer neuen Identität, nach moralischer Orientierung und einer Zukunft in den Ruinen des Nationalsozialismus.

Der sowjetische Antikriegsfilm Im Morgengrauen ist es noch still bricht mit den Konventionen des Genres und etabliert spannende Gegensätze. Der Klassiker von Stanislav Rostotsky unterstellt einem verdutzten Offizier eine komplett weiblich besetzte Flak-Einheit, was in der ausführlichen Exposition zu einem humorvollen Kennenlernen führt. Im Gegensatz zu vielen anderen Antikriegsfilmen interessiert sich Im Morgengrauen ist es noch still für die Menschen hinter der Uniform; umso dramatischer wirkt die zweite Hälfte des Films, die die Soldatinnen in ein Gefecht verwickelt, das nicht zu gewinnen ist. Der Humor, die Dramatik und die finale Melancholie ergeben einen unkonventionellen Tonfall.

Der Klassiker von William Wyler entstand 1942 und erfüllte damit naturgemäß eine Propagandafunktion – umso bemerkenswerter ist die Subtilität, mit der Wyler vorgeht. Mrs. Miniver spielt nicht auf den Schlachtfeldern des Zweiten Weltkrieges, sondern an der Heimatfront, wo er eine britische Familie durch den Kriegsalltag begleitet. Dank der vorzüglichen Figurenzeichnung gelingt es Wyler, die volle Klaviatur der Emotionen zu bespielen. Sechs Oscars waren der Lohn, unter anderem für den besten Film und die beste Regie.

Mit Der Soldat von Oranien verfilmte Paul Verhoeven die wahre Geschichte eines Widerstandskämpfers und drehte den bis dato teuersten niederländischen Film. Verhoeven erzählt von einer Gruppe Jura-Studenten, die während der Besetzung des Landes durch die Nationalsozialisten unterschiedliche Lebenswege einschlagen. Die 155-minütige Laufzeit gibt dem Regisseur den Raum für eine umfangreiche Figurenentwicklung (mit dem starken Rutger Hauer im Zentrum) und ermöglicht zugleich mehrere lange Spannungsszenen. Auch der typische schelmische Tonfall Verhoevens blitzt trotz des düsteren Themas immer wieder auf.

In Platoon verarbeitete Oliver Stone seine eigenen Erfahrungen im Vietnamkrieg, in dem er zwei Mal verwundet und mehrfach ausgezeichnet wurde. Doch den Heldenmythen verweigert sich sein kritischer Film: Platoon nimmt dem täglichen Töten jeden Sinn, seine Protagonisten haben nichts zu gewinnen und bringen vergebliche Opfer. Zudem bedienen die subjektiv inszenierten Actionszenen unsere Schaulust nicht – die Gefechte beinhalten keine Erfolgserlebnisse und der Feind bleibt unsichtbar. Die hervorragende Besetzung – insbesondere Willem Dafoe und Tom Berenger – bleibt im Gedächtnis.

Der erste Antikriegsfilm der Kinogeschichte zählt nach wie vor zu den Höhepunkten des Genres. King Vidors Stummfilm Die große Parade überrascht zunächst: Nach der Grundausbildung wird der Protagonist nach Frankreich versetzt, landet jedoch nicht auf dem Schlachtfeld, sondern in den Armen einer jungen Französin. Indem Vidor Elemente einer romantischen Komödie nutzt, setzt er einen wirkungsvollen Kontrast – die Gefechte des Ersten Weltkrieges wirken durch die zuvor gezeigte Herzlichkeit noch sinnloser und brutaler.

Das Antikriegs-Epos Die Brücke am Kwai gewann sieben Oscars und setzt sich vornehmlich intellektuell mit dem Krieg auseinander. Anhand dreier gegensätzlicher Charaktere prüft der Klassiker von David Lean verschiedene Geisteshaltungen, doch weder Ehre, Ehrgeiz noch Zynismus helfen den jeweiligen Protagonisten, der Wahnsinn des Krieges lässt sich von keiner Weltanschauung bändigen. Leans Anklage gegen Militarismus und falsche Ideale überzeugt durch eine großartige Bildgestaltung, die den exotischen Schauplatz stimmungsvoll einfängt, und durch die ausgezeichneten Darsteller.

Die Hollywood-Adaption von Erich Maria Remarques berühmten Roman überzeugt auf ganzer Linie: Der bis dato aufwendigste Antikriegsfilm profitiert besonders von der Erfahrung des Regisseurs Lewis Milestone, der während des Ersten Weltkrieges in der Fotografie-Abteilung des US-Militärs gearbeitet hatte. Milestone kannte den Krieg aus erster Hand und überführte die bedrückende Realität in ein wuchtiges Filmerlebnis. Neben seinem schieren Aufwand überzeugt Im Westen nichts Neues durch beeindruckende Bildkompositionen, eine überraschend mobile Kameraarbeit und tolle Regieeinfälle.

In Wege zum Ruhm schildert Stanley Kubrick die festgefahrenen Grabenkämpfe des Ersten Weltkrieges in großartigen Massenszenen, um anschließend die militärpolitische Verwaltung zu kritisieren: Krieg ist hier eine Materialschlacht, in der die Soldaten zu bloßen Planungseinheiten degradiert und von der Generalität rücksichtslos verfeuert werden. Indem Wege zum Ruhm die weltfremde Kaltherzigkeit der Generäle offenbart und als Kontrast dazu den fantastischen Kirk Douglas als moralischen Mahner installiert, verdiente sich Kubricks Werk einen Platz unter den großen Antikriegsfilmen der Kinogeschichte.

Man nannte es den großen Krieg schickt zwei Streithähne in den Ersten Weltkrieg und inszeniert das Grauen als Tragikomödie. Der unkonventionelle Antikriegsfilm nimmt dabei Bezug zur damals beliebten Commedia all’italiana, negiert jedoch ihren Charme: Jeder Lacher bleibt im Halse stecken, da die humoristischen Anwandlungen sofort in Bitterkeit und Verzweiflung umschlagen. Mario Monicelli beweist viel Gespür für den richtigen Tonfall und nähert sich dem Thema niemals plump; sein Werk ermöglicht eine besondere Filmerfahrung, dessen finstere zweite Hälfte uns niedergeschlagen zurücklässt.

Mit Der Kanal schloss Andrzej Wajda seine mit Eine Generation und Asche und Diamant begonnene Kriegsfilmtrilogie ab. Der Film spielt 1944 und zeigt den Zusammenbruch des Warschauer Aufstands: Die Partisanen sind der deutschen Wehrmacht hoffnungslos unterlegen und ziehen sich in die Kanalisation der Stadt zurück. Hier spielt ein Großteil der Handlung, was Der Kanal einzigartig macht – die beengten Gänge, das ständige Flüstern und die unsichtbare Bedrohung durch die Nazis sorgen für eine beklemmende Atmosphäre; das fatalistische Finale hallt lange nach.

Vierundzwanzig Augen schildert die Beziehung zwischen einer jungen Lehrerin und einer Schulklasse über einen Zeitraum von 20 Jahren und stellt dabei heraus, welche Zäsur der Zweite Weltkrieg bedeutete. Das große Weltgeschehen macht auch vor der kleinen Dorfgemeinschaft nicht Halt und reißt sie auseinander, als sich die Schüler der Volljährigkeit nähern. Obwohl Kinoshita keinerlei Kampfhandlungen zeigt, schlägt er tiefe emotionale Wunden, weil lieb gewonnene Figuren auf immer verschwinden und ihre Lehrerin vor Leid vergeht. Obwohl es sich um ein Melodram handelt, entwickelt Vierundzwanzig Augen eine größere emotionale Wirkung als die meisten Antikriegsfilme.

Schon in seinem Debütfilm Iwans Kindheit gab sich Andrei Tarkowski als Meister zu erkennen: Der russische Filmemacher begleitet einen Jungen durch den Zweiten Weltkrieg und transportiert dessen Traumata über beeindruckende Bilder. Tarkowski visualisiert Iwans Dasein als Wechselzustand zwischen Realität und Albtraum; das erzeugt im Zusammenspiel mit der ausgeprägten Symbolik eine verwunschene Stimmung, verleiht dem Krieg jedoch auch einen besonderen Schrecken.

Der Antikriegsfilm Red Angel pendelt zwischen den Extremen: Nihilismus und Humanismus stehen hier gleichberechtigt nebeneinander und bilden eine absurde Mischung, die den Wahnsinn des Zweiten Weltkrieges widerspiegelt. Eine junge Krankenschwester und ein drogensüchtiger Arzt stehen im Zentrum der Geschichte, die über weite Strecken in einem Lazarett spielt, in dem sich regelmäßig amputierten Gliedmaßen stapeln. In Red Angel zerstört der Horror des Krieges die Protagonisten nicht nur körperlich, sondern auch geistig – sie verkommen zu leeren Hüllen, die versuchen, sich einen letzten Rest Menschlichkeit zu bewahren.

Schlacht um Algier ist ein ungewöhnlicher Antikriegsfilm: Er schildert den algerischen Unabhängigkeitskampf gegen die französische Kolonialherrschaft ohne eine konventionelle Handlung und verzichtet auf Heldenfiguren. Stattdessen nutzt Gillo Pontecorvo einen dokumentarischen Ansatz, der sich als idealer Kunstgriff entpuppt: Die Originalschauplätze und die Handkamera sorgen für eine authentische Unmittelbarkeit und versetzen uns mitten in den Konflikt hinein, doch zugleich ermöglicht die erzählerische Distanz einen klaren Blick auf den Strudel der Gewalt und die Verschiebung moralischer Grenzen.

Das Boot ermöglicht ein atmosphärisch dichtes Filmerlebnis, denn den Großteil des 200-Minuten-Epos verbringen wir an Bord eines deutschen U-Boots in den eisigen Tiefen des Atlantiks. Da die überraschend mobile Kamera den beengten Verhältnissen trotzt und der Film statt Musik eine eindringliche Geräuschkulisse einsetzt, entwickelt Das Boot eine große immersive Kraft – wir erleben den oft ungewissen U-Boot-Krieg als Teil der Mannschaft. Aus dieser Unmittelbarkeit zieht die Romanverfilmung eine enorme Spannung, während die markanten Figuren den emotionalen Rahmen schaffen.

Die Mockumentary The War Game beschreibt die Auswirkungen eines Atomkrieges auf Großbritannien derart drastisch, dass die produzierende BBC den Film 20 Jahre lang unter Verschluss hielt. Die Fernsehanstalt hatte eine konventionelle Dokumentation erwartet und erhielt ein filmisches Inferno: Neben den beklemmenden Bildern zeichnet sich die Arbeit von Peter Watkins durch eine große intellektuelle Schärfe aus, die den Widersinn atomarer Waffen nachhaltig herausstellt und uns mit einer Schreckensvision konfrontiert, die lange nachwirkt.

Beinahe 10 Stunden Spielzeit umfasst die Barfuß durch die Hölle-Trilogie von Masaki Kobayashi; dank der Vorarbeit der ersten beiden Teile entwickelt sich der finale Film zum bitteren Höhepunkt. Hier erleben wir das Ende der Geschichte des einstmals humanistischen Protagonisten Kaji, der inzwischen durch das Inferno des Krieges gebrochen wurde und nun mit seinen zerlumpten Gefährten ums Überleben kämpft. Aufgrund der langen Spielzeit und Kobayashis prägender Inszenierung erzeugt Barfuß durch die Hölle III ein großes emotionales Echo und wirkt weit über den Abspann hinaus.

Stanley Kubricks Meisterwerk Full Metal Jacket zeigt den Krieg nicht als abstrakten Daseinszustand, sondern als staatlich oktroyiert. Der Regisseur hält dem amerikanischen „Heldentum“ den Spiegel vor und bedient sich dafür eines so genialen wie perfiden Schachzuges: Mit dem ewig schreienden Infanterieausbilder Hartman etabliert er eine Ikone, deren Zynismus die erste Filmhälfte überstrahlt. Hartman konditioniert nicht nur die Soldaten, sondern auch uns Zuschauer, weshalb wir die Kriegshandlungen der zweiten Hälfte ebenso gedämpft erleben wie die entmenschlichten Protagonisten.

Der Antikriegsfilm Feuer im Grasland bietet ein außergewöhnliches Erlebnis. Das Werk von Kon Ichikawa schickt einen japanischen Soldaten auf eine Odyssee über ein pazifisches Eiland, das längst von den Amerikanern überrannt wurde. Der Regisseur entfesselt das Grauen des Krieges, ohne den Sensationen des Genres anheimzufallen: Gerade die Beiläufigkeit der schockierenden Szenen erweist sich als effektvoll. Die erhabenen Schwarz-Weiß-Bilder beeindrucken ebenso wie die ausgezeichneten Schauspieler – das eindringliche Spiel des völlig abgemagerten Eiji Funakoshi bleibt lange in Erinnerung.

Wie Andrei Tarkowskis Iwans Kindheit handelt auch Elem Klimows Komm und sieh von einem russischen Jungen, der in den Wirren des Zweiten Weltkrieges überleben muss. Trotz dieser Gemeinsamkeit könnten die beiden Filme nicht unterschiedlicher sein – Tarkowskis Poesie weicht hier einer unbarmherzigen Realität aus Massakern und Schlamm. Die fantastische Kameraarbeit konterkariert einen hässlichen, unerbittlichen Film, der ob seiner Wucht zu den Meisterwerken des Genres zählt.

Mit Apocalypse Now brach Francis Ford Coppola die Konventionen des Antikriegsfilms auf: Lose auf Joseph Conrads Literaturklassiker Herz der Finsternis basierend, treibt der Film die Soldaten wie in einem Road-Movie durch ein fiebriges Vietnam-Wunderland. Insbesondere in der Redux-Fassung mutiert der Krieg zur irrsinnigen Oper, der gigantische Produktionsaufwand ermöglichte überwältigende Bilder und eine hypnotische Stimmung. Das herausragende Darsteller-Ensemble um Martin Sheen und Marlon Brando rundet das rauschhafte Filmerlebnis ab.

Der erste Teil der epochalen Barfuß durch die Hölle-Trilogie spielt abseits der Schlachtfelder des Zweiten Weltkrieges und steckt trotzdem voller Grauen. Masaki Kobayashi versetzt einen Pazifisten als Aufseher in ein Arbeitslager für Kriegsgefangene und konfrontiert ihn mit der unmöglichen Aufgabe, seine humanistische Ideale mit der Dienstpflicht in Einklang zu bringen. Barfuß durch die Hölle spielt dieses Dilemma mit größtmöglicher Wucht aus und hinterfragt das Menschsein im Angesicht des Unmenschlichen.

Wie Andrei Tarkowskis Iwans Kindheit handelt auch Elem Klimows Komm und sieh von einem russischen Jungen, der in den Wirren des Zweiten Weltkrieges überleben muss. Trotz dieser Gemeinsamkeit könnten die beiden Filme nicht unterschiedlicher sein – Tarkowskis Poesie weicht hier einer unbarmherzigen Realität aus Massakern und Schlamm. Die fantastische Kameraarbeit konterkariert einen hässlichen, unerbittlichen Film, der ob seiner Wucht zu den Meisterwerken des Genres zählt.

Mit Apocalypse Now brach Francis Ford Coppola die Konventionen des Antikriegsfilms auf: Lose auf Joseph Conrads Literaturklassiker Herz der Finsternis basierend, treibt der Film die Soldaten wie in einem Road-Movie durch ein fiebriges Vietnam-Wunderland. Insbesondere in der Redux-Fassung mutiert der Krieg zur irrsinnigen Oper, der gigantische Produktionsaufwand ermöglichte überwältigende Bilder und eine hypnotische Stimmung. Das herausragende Darsteller-Ensemble um Martin Sheen und Marlon Brando rundet das rauschhafte Filmerlebnis ab.

Der erste Teil der epochalen Barfuß durch die Hölle-Trilogie spielt abseits der Schlachtfelder des Zweiten Weltkrieges und steckt trotzdem voller Grauen. Masaki Kobayashi versetzt einen Pazifisten als Aufseher in ein Arbeitslager für Kriegsgefangene und konfrontiert ihn mit der unmöglichen Aufgabe, seine humanistische Ideale mit der Dienstpflicht in Einklang zu bringen. Barfuß durch die Hölle spielt dieses Dilemma mit größtmöglicher Wucht aus und hinterfragt das Menschsein im Angesicht des Unmenschlichen.