Zum Ende der Fünfziger Jahre galt der klassische Western schon als totgesagt: Die heroischen Geschichten waren auserzählt und passten nicht mehr in das gesellschaftliche Klima. Dem zum Trotz rief Die glorreichen Sieben zum letzten Hurra für den klassischen Western. Das Remake von Akira Kurosawas Epos Die sieben Samurai erreicht zwar nie den Tiefgang und die Handwerkskunst des Originals, besticht aber durch einen hohen Unterhaltungswert und einem Großaufgebot charismatischer Stars um Steve McQueen und Yul Brynner.

B-Movie-Pionier Samuel Fuller stellt den Western auf den Kopf: Vierzig Gewehre versetzt seinen Plot mit brodelnden sexuellen Untertönen, verkehrt die Geschlechterrollen und spuckt uns die zynische Archaik des Genres vor die Füße. Der entfesselte Schnitt und die für Fuller typische, geradlinige Regie evozieren eine Gnadenlosigkeit, gegen die sich die Figuren nicht wehren können. Dabei beweist Vierzig Gewehre einmal mehr Fullers Innovationskraft: Er nahm die Pistolenlaufperspektive der Bond-Intros ebenso vorweg wie Sergio Leones charakteristische Super-Close-ups auf die Augen der Westernhelden.

Die Zusammenarbeit zwischen Regisseur Budd Boetticher und Hauptdarsteller Randolph Scott brachte sieben sehenswerte B-Western hervor, die allesamt „kleine Geschichten vor großen Hintergründen“ erzählen. Sein Colt war schneller markiert die vierte Kollaboration und verwickelt Scotts Helden in eine Fehde, die sich aufgrund der 80 Minuten kurzen Spielzeit stetig zuspitzt. Der Unterhaltungsgrad des Films resultiert nicht nur aus dem hohen Tempo, auch die markigen Dialoge aus der Feder des ungenannten Western-Spezialisten Burt Kennedy machen Spaß, und Randolph Scott ist als rechtschaffener Streuner ganz in seinem Element.

Die Kollaboration von Regisseur Anthony Mann und Hauptdarsteller James Stewart prägte den amerikanischen Western der Fünfziger Jahre; in Über den Todespass arbeiteten sie zum vierten Mal zusammen. Wie schon in Nackte Gewalt ist Stewart gegen den Strich besetzt und spielt keinen aufrichtigen Helden, sondern einen egoistischen Menschenfeind. Passend dazu ist der Film in einer verschneiten Berglandschaft angesiedelt, die Mann auf ansehnliche Weise, aber ohne Postkartenpanoramen einfängt – die Natur bleibt harsch und unfreundlich. Zudem herrscht eine pessimistische Weltsicht auf die Freiheit des Wilden Westens, dessen Sozialisierung erst durch Gewalt motiviert und auch mit Gewalt durchgesetzt werden muss.

Mit seinem zweiten Western The Hateful 8 übertraf Quentin Tarantino den „Vorgänger“ Django Unchained deutlich. Der in grandiosem 70-mm-Format gefilmte Schneewestern verbringt den größten Teil seiner dreistündigen Spielzeit in einer verschneiten Hütte und mutet dementsprechend wie ein Theaterstück an. Damit bringt Tarantino seine Stärken ein: Er konzentriert sich auf eine angespannte Stimmung, markante Charaktere und endlose Dialogkaskaden. Obwohl The Hateful 8 leicht zur Prätention tendiert und die Überlänge nicht nötig erscheint, sorgen die hochsouveräne Inszenierung und das spielfreudige Ensemble für ein unterhaltsames Filmerlebnis.

Der Kultwestern von Sergio Corbucci besticht durch eine nahezu apokalyptische Stimmung: Django spielt über weite Strecken in einem heruntergekommenen Dorf inmitten einer schlammigen Einöde. Die Welt des Films wird von Amoral und Gewalt dominiert und bietet damit einen passenden Ort für den titelgebenden Protagonisten, dessen stoischer Nihilismus den Film prägt; Hauptdarsteller Franco Nero spielt den Antihelden mit diabolischer Gelassenheit. Der laue Plot ist hingegen weniger memorabel – Django lebt nicht von Inhalten, sondern von seinem rohen Stil und einem galligen Humor.

Um Kopf und Kragen ist der zweite Western des Ranown-Zyklus, der Zusammenarbeit zwischen Budd Boetticher und Randolph Scott. Es handelt sich um einen 78 Minuten kurzen Thriller, der seine Spannung aus seiner absoluten Schnörkellosigkeit zieht, die er den Texten zweier Western-Legenden (Story: Elmore Leonard, Drehbuch: Burt Kennedy) zu verdanken hat. Neben der kurzangebundenen Lakonie der Dialoge überzeugen Boettichers pointierte Inszenierung und das Zusammenspiel der Darsteller: Randolph Scott, Richard Boone und Maureen O’Sullivan harmonieren prächtig miteinander.

Wie es sich für einen Spätwestern gehört, verkehrt Erbarmungslos die Glorifizierung des Wilden Westens ins Gegenteil. Er ist geprägt von niederen Motiven, destruktiver Gewalt und der Unmöglichkeit eines friedvollen Lebens. Dabei inszeniert Clint Eastwood auch einen Abgesang auf die eigene Rollengeschichte: Sein William Munny ist eine abgehalfterte, alt gewordene Version der früheren, ach so coolen Antihelden in Eastwoods Vita; eine Figur voller Makel und Brüche, die nichts mehr zu gewinnen hat und letztlich nur darum kämpft, nicht das letzte bisschen Respekt für sich selbst zu verlieren.

Der Western Betrogen ist als Kammerspiel während der amerikanisches Bürgerkrieges angelegt. Die Romanverfilmung etabliert eine Südstaatenvilla voller Frauen unterschiedlicher Generationen, die einen verwundeten feindlichen Soldaten verstecken und pflegen. Passend zum Zeitgeist der Post-68er erwächst daraus keine Utopie, sondern ein zynischer Thriller, da die Gemeinschaft durch die gegenseitige Eifersucht auf die Probe gestellt wird. Ein Szenario wie gemacht für den Genrefilmer Don Siegel, der zum dritten Mal (von fünf) mit Clint Eastwood kollaborierte. Betrogen ist stimmungsvoll inszeniert, gut gespielt und vor allem konsequent darin, die Mühlen von Liebe, Eifersucht und Hass beständig mahlen zu lassen.

Pat Garrett jagt Billy The Kid beschreibt anhand der Entwicklung der titelgebenden historischen Figuren den Zeitenwandel des Wilden Westens, wobei Sam Peckinpah wie schon in Sacramento und The Wild Bunch auf einen melancholischen Pessimismus setzt. Von den Idealen und der Freiheit aus den Anfangstagen des unerschlossenen Amerikas ist nichts mehr übrig; jeder Mensch kämpft für sich allein und jeglicher Ehrbegriff ist bloßem Opportunismus gewichen. Peckinpahs bittere Abrechnung verkehrt den Heroismus des Genres ins Gegenteil: Er pervertiert den vermeintlichen Helden zum sadistischen Killer und inszeniert den Bösewicht als tragische Figur, die an ihren veralteten Wertvorstellungen scheitert.

Der letzte Zug von Gun Hill startet mit einer grimmigen Exposition, die sowohl die archaische Welt des Films etabliert als auch einen langen Spannungsaufbau in Gang setzt. Da das Drehbuch den großen Konflikt immer wieder verschiebt, entwickelt der Klassiker von John Sturges ein durchgängiges Suspense – die zweite Filmhälfte mutet wie ein einziger Showdown an. Die Figurenzeichnung beschränkt sich auf das Nötigste, die Ausstrahlung von Kirk Douglas und Anthony Quinn verleiht den Protagonisten dennoch Profil.

Zu Beginn mutet Warlock wie ein klassischer US-Western an, zumal er mit Henry Fonda, Anthony Quinn und Richard Widmark hochkarätig besetzt ist. Im weiteren Verlauf ändert sich dieser Eindruck: Der Film von Edward Dmytryk hinterfragt den heroischen Schein seiner Protagonisten und fördert die Ambivalenz der Figuren. Daraus entstehen neue Perspektiven, die sich einer simplen Moral verweigern und die sonst so geordnete Western-Welt gehörig verdrehen: Outlaws verdingen sich als Sheriffs, Helden mutieren zu Bösewichtern.

Der Spätwestern Sacramento trägt die typische Handschrift von Regisseur Sam Peckinpah und erteilt den Mythen des Genres eine Absage. Schon mit der Besetzung gelang Peckinpah ein Coup: Für die Hauptrollen der beiden alten Haudegen verpflichtete er Randolph Scott und Joel McCrea, die ihre 30-jährigen Karrieren mit Sacramento abschlossen. Der Film formuliert einen melancholischen Abgesang auf die alten Zeiten und findet dafür hübsche Naturbilder, die Verkommenheit der Menschen setzt dazu einen herben Kontrast.

Tonino Valeriis Italowestern Der Tod ritt dienstags fährt ein tolles Hauptdarstellerduo auf: Die beiden Genre-Ikonen Lee van Cleef und Giuliano Gemma harmonieren prächtig als Lehrer-Schüler-Gespann. Die Unterschiede zwischen den beiden Protagonisten verleihen ihrer Beziehung eine spannende Eigendynamik, die sich insbesondere im letzten Filmdrittel auszahlt. Dabei richtet sich Valeriis Film nicht so stark auf Actionszenen aus wie andere Italowestern; er interessiert sich für die Entwicklung seiner Figuren und besitzt einen garstigen Humor, sodass Der Tod ritt dienstags auch ohne ständige Schusswechsel zu unterhalten vermag.

Zwei Jahre nach Django trieb Sergio Corbucci den Nihilismus der Italowestern ins Extrem: Leichen pflastern seinen Weg lotet die Grenzen des Genres aus. Der Regisseur verwebt einen Racheplot mit politischen Tendenzen und siedelt sein Szenario in einer verschneiten Berglandschaft an. Die Hauptdarsteller Jean-Louis Trintignant und Klaus Kinski überzeugen ebenso wie die eisige Stimmung, die perfekt zu der kaltblütigen Gewalt des Films passt. Dennoch bereitet uns nichts auf das hundsgemeine Finale vor, dessen Skrupellosigkeit jedes Mal aufs Neue schockt.

Rio Bravo zählt zu den unumstrittenen Klassikern des amerikanischen Westerns. Der Film von Howard Hawks etablierte einen oft kopierten Handlungsaufbau und profitiert von einem John Wayne in Bestform. Der immerhin 141 Minuten lange Western zieht seinen Unterhaltungswert nicht aus ausufernden Schießereien, sondern aus dem Charisma der Stars und den kernigen Dialogen. Die Actionszenen dosiert Hawks hingegen sparsam, woraus Rio Bravo sein Suspense zieht – eine Atmosphäre drohenden Unheils schwebt dauerhaft über den Helden.

John Ford drehte 1939 den maßgeblichen Western seiner Zeit: Ringo verpasste dem bis dato aus B-Movies bestehenden Genre einen seriösen Unterbau. Ford nutzt eine durch diverse Zwischenfälle bedrohte Postkutschenfahrt, um anhand archetypischer Figuren die Ideale und Motive der amerikanischen Gesellschaft zu hinterfragen – im Angesicht der Gefahr entblößen die Protagonisten nach und nach ihre Vorurteile und Wertesysteme. In Ringo arbeitete der Regisseur zum ersten Mal mit John Wayne zusammen, dem so der Durchbruch gelang – der Beginn einer legendären Kollaboration, die 23 weitere Filme umfasst.

Nach einer Reihe bemerkenswerter Arbeiten galt der Schwede Victor Sjöström als einer der besten Regisseure der Welt und wurde schließlich von MGM nach Hollywood gelotst. Aus der amerikanischen Schaffensphase sticht Der Wind hervor – ein aufwühlendes Drama, in dem eine junge Frau gegen die Männerwelt des Wilden Westens ankämpft, wobei der bedrückende Film auch vor Vergewaltigung und Mord nicht zurückschreckt. In besonderer Erinnerung bleiben das apokalyptische Finale und die Schauspielkunst von Lillian Gish.

Der zweite Cuchillo-Western von Sergio Sollima ist deutlich komödiantischer angelegt als sein Vorgänger Der Gehetzte der Sierra Madre. Die mexikanischen Revolutionswirren bilden den Rahmen für ein episodenhaftes Road-Movie, in dem der bauernschlaue Cuchillo zwischen Banditen, Kopfgeldjäger und Exfreundinnen gerät. Tomas Milian spielt den Protagonisten erneut auf herrliche Art, Sollima setzt ihn mit viel Situationskomik in Szene. Lauf um dein Leben zählt zu den leichteren Italowestern und macht einen Heidenspaß.

Die goldene Ära des Western mag lange vorbei sein, doch alle Jubeljahre beglückt uns auch das moderne Kino mit einem raren Meilenstein. So einer ist das elegische 160-Minuten-Epos Die Ermordung des Jesse James durch den Feigling Robert Ford, der die Mythen des Wilden Westens kritisch hinterfragt. Seine Melancholie erinnert an die Western der New Hollywood-Ära und wirkt dank der imposanten Bilder von Roger Deakins trotzdem zeitgemäß. Der langsame Aufbau zahlt sich im letzten Filmdrittel aus, das mit einer ungeahnten Wucht shakespearescher Prägung überrascht.

Mit Zwei glorreiche Halunken führte Sergio Leone die Entwicklung des Italowestern zu einem vorläufigen Schlusspunkt. Der letzte Teil seiner Dollar-Trilogie verzichtet auf den Nihilismus der Vorgänger und übersteigert ihre Ironie auf das größtmögliche Maß – epochale 160 Minuten lang fabuliert Zwei glorreiche Halunken eine episodenhafte Abenteuergeschichte mit garstigem Humor und großen Schauwerten. Das sorgt für einen hohen Unterhaltungswert und lebt einmal mehr von Leones genialer Regie, der Musik von Ennio Morricone und den exzellenten Hauptdarstellern.

Der erste Cuchillo-Western von Sergio Sollima besitzt in Lee Van Cleef und Tomas Milian ein großartiges Hauptdarstellerduo, deren Zusammenwirken durch die gegensätzlichen Figuren noch verstärkt wird. Die Verfolgungsjagd ihrer Protagonisten macht einen Großteil des Films aus, Der Gehetzte der Sierra Madre entpuppt sich daher als abwechslungsreiches Road-Movie, das viel Flair aus der Musik von Ennio Morricone zieht – der Maestro trifft einen stimmigen Grad zwischen Ironie und Ernsthaftigkeit. Der politische Subtext verleiht Sollimas Western eine zusätzliche Facette.

The Wild Bunch ist vor allem für seine gewaltigen Shootouts bekannt, doch schon nach dem legendären Schusswechsel zu Beginn schaltet Sam Peckinpah in einen anderen Modus und präsentiert uns einen über weite Strecken ruhigen Film, der sich am besten als Melodram müder Männer beschreiben lässt. Der Regisseur beobachtet der Verfall des Wilden Westens anhand einer Bande von Outlaws, die an der Neuzeit scheitern. Es herrscht eine diffuse Stimmung in diesem Film, der unbändige Lebensgier mit kompromisslosem Fatalismus mischt, bis Peckinpahs Vision in einem wahnwitzig montierten Finale verglüht.

Der Scharfschütze hebt sich deutlich von anderen Western seiner Zeit ab: Einerseits nutzt er stilistische Anleihen aus dem Film Noir, andererseits zeichnet er sich durch einen nachdenklichen Pessimismus aus, der erst 15 Jahre später durch die Western des New Hollywood-Kinos salonfähig werden sollte. Ein Großteil der 80 Minuten verbringt der Film als Kammerspiel, wobei er eine fatalistische Stimmung und diverse Konfliktherde aufbaut. Neben der durchgängigen Spannung bleiben vor allem der hervorragende Gregory Peck und das clevere Finale in Erinnerung.

Mit Für eine Handvoll Dollar half Sergio Leone dem amerikanischen Western aus der Krise und machte den Italowestern populär. Die rohe Ästhetik, die kompromisslosen Schusswechsel und das unterkühlte Auftreten des damals noch unbekannten Clint Eastwood verleihen dem Film eine ganz eigene Coolness. Das Rückgrat des cleveren Plots und seines Antihelden lieferte allerdings Akira Kurosawas Samuraiklassiker Yojimbo, bei dem sich Leone ohne Lizenz bediente. Gänzlich originell ist hingegen die unsterbliche Musik von Ennio Morricone, die maßgeblich zum Flair des Films beiträgt.

Der Klassiker von William Wyler verpflanzt einen gebildeten Großstädter (Paraderolle: Gregory Peck) in den Wilden Westen, wo er zwischen die Fronten eines Kleinkrieges zweier Viehzüchterfamilien gerät. Weites Land füllt seine 165-minütige Spielzeit nicht mit zig Schusswechseln, sondern beschäftigt sich ausführlich mit den gegensätzlichen Figuren, ihrer Moral und der Frage, wie Gewalt entsteht. Dabei besticht Wylers Werk durch pointierte Dialoge und starke Darsteller; die exquisiten Landschaftsaufnahmen vermitteln ein Gefühl für die Schönheit und Abgeschiedenheit des kaum erschlossenen Wilden Westens.

In dem New Hollywood-Western McCabe & Mrs. Miller formuliert Autorenfilmer Robert Altman einen Abgesang auf den amerikanischen Traum und dekonstruiert das Genre. Von der großen Freiheit ist hier nichts zu spüren, das Geschehen spielt sich in einer verschneiten Berglandschaft ab, die entsättigten Bilder und die melancholische Musik Leonard Cohens lassen den Ort trist wirken. Westernhelden gibt es hier keine – Frauen haben die Hosen an, während Männer über ihre Bärte sinnieren. In dieser Western-Wirklichkeit reihen sich sinnlose Gewalt und platzende Träume aneinander, der amerikanische Traum bleibt unerreichbar.

Auf keinen Western passt der Begriff „Pferdeoper“ besser als auf Spiel mir das Lied vom Tod: Handlung und Figuren sind nur rudimentär angelegt, aber die brillante Inszenierung von Sergio Leone formt daraus ein Monument für die Ewigkeit. Die unerreichte Grandezza des Klassikers fußt auf einer enormen Szenenlänge und der unverwechselbaren Musik von Ennio Morricone, die Leone ebenso genial nutzt wie die gnadenlose Aura von Charles Bronson und Henry Fonda. Das führt zu einigen der ikonischsten Szenen in der Geschichte des Genres.

Für ein paar Dollar mehr zählt zu den wenigen zweiten Teilen, die ihren Vorgänger übertreffen. Dank des höheren Budgets konnte Sergio Leone mit Lee van Cleef einen weiteren Star verpflichten und größere Schauwerte servieren. Doch auch inszenatorisch hat sich der Regisseur weiterentwickelt: Seine Regie steigert die Binnenspannung der Szenen deutlich und verknüpft kunstvoll Rückblenden mit Gegenwart. Die Handlung von Für ein paar Dollar mehr ist zwar nicht so fein austariert wie beim Vorgänger, der zweite Teil sorgt jedoch mit reger Abwechslung für Kurzweil und besitzt das bessere Finale.

1954 produzierte die B-Movie-Schmiede Republic mit wenig Geld einen Meilenstein. Nicholas Ray nutzt das Western-Genre als Folie für ein überlebensgroß inszeniertes Melodram, dessen Triebmittel sexuelle Neurosen und blanker Hass sind. Die Regisseure der Nouvelle Vague verehrten Ray, weil er den Western transzendiert: Mit billigen Studiokulissen und leuchtendem Technicolor überhöht er das Geschehen ins Theaterhafte und erzeugt einen maximal verdichteten Über-Western. Trotz eines kleinen Budgets ist Johnny Guitar ein gewaltiger Film.

Auf keinen Western passt der Begriff „Pferdeoper“ besser als auf Spiel mir das Lied vom Tod: Handlung und Figuren sind nur rudimentär angelegt, aber die brillante Inszenierung von Sergio Leone formt daraus ein Monument für die Ewigkeit. Die unerreichte Grandezza des Klassikers fußt auf einer enormen Szenenlänge und der unverwechselbaren Musik von Ennio Morricone, die Leone ebenso genial nutzt wie die gnadenlose Aura von Charles Bronson und Henry Fonda. Das führt zu einigen der ikonischsten Szenen in der Geschichte des Genres.

Für ein paar Dollar mehr zählt zu den wenigen zweiten Teilen, die ihren Vorgänger übertreffen. Dank des höheren Budgets konnte Sergio Leone mit Lee van Cleef einen weiteren Star verpflichten und größere Schauwerte servieren. Doch auch inszenatorisch hat sich der Regisseur weiterentwickelt: Seine Regie steigert die Binnenspannung der Szenen deutlich und verknüpft kunstvoll Rückblenden mit Gegenwart. Die Handlung von Für ein paar Dollar mehr ist zwar nicht so fein austariert wie beim Vorgänger, der zweite Teil sorgt jedoch mit reger Abwechslung für Kurzweil und besitzt das bessere Finale.

1954 produzierte die B-Movie-Schmiede Republic mit wenig Geld einen Meilenstein. Nicholas Ray nutzt das Western-Genre als Folie für ein überlebensgroß inszeniertes Melodram, dessen Triebmittel sexuelle Neurosen und blanker Hass sind. Die Regisseure der Nouvelle Vague verehrten Ray, weil er den Western transzendiert: Mit billigen Studiokulissen und leuchtendem Technicolor überhöht er das Geschehen ins Theaterhafte und erzeugt einen maximal verdichteten Über-Western. Trotz eines kleinen Budgets ist Johnny Guitar ein gewaltiger Film.