Die 25 besten

Antikriegsfilme

der Kinogeschichte

Der tschechoslowakische Antikriegsfilm Wagen nach Wien schildert den Zweiten Weltkrieg über ein stark verdichtetes Szenario: Zwei desertierte deutsche Soldaten zwingen eine einheimische Bäuerin, sie per Pferdekarren in Richtung Heimat zu fahren. Die Reise durch den endlosen böhmischen Wald entwickelt sich zum psychologischen Duell zwischen den beiden Parteien, wodurch das Road-Movie paradoxerweise einen kammerspielartigen Einschlag erhält. Auch aufgrund der ansehnlichen Schwarz-Weiß-Bilder erzeugt Wagen nach Wien eine dichte Stimmung und dauerhaftes Suspense.

Der sowjetische Antikriegsfilm Im Morgengrauen ist es noch still bricht mit den Konventionen des Genres und etabliert spannende Gegensätze. Der Klassiker von Stanislav Rostotsky unterstellt einem verdutzten Offizier eine komplett weiblich besetzte Flak-Einheit, was in der ausführlichen Exposition zu einem humorvollen Kennenlernen führt. Im Gegensatz zu vielen anderen Antikriegsfilmen interessiert sich Im Morgengrauen ist es noch still für die Menschen hinter der Uniform; umso dramatischer wirkt die zweite Hälfte des Films, die die Soldatinnen in ein Gefecht verwickelt, das nicht zu gewinnen ist. Der Humor, die Dramatik und die finale Melancholie ergeben einen unkonventionellen Tonfall.

Mit Der Soldat von Oranien verfilmte Paul Verhoeven die wahre Geschichte eines Widerstandskämpfers und drehte den bis dato teuersten niederländischen Film. Verhoeven erzählt von einer Gruppe Jura-Studenten, die während der Besetzung des Landes durch die Nationalsozialisten unterschiedliche Lebenswege einschlagen. Die 155-minütige Laufzeit gibt dem Regisseur den Raum für eine umfangreiche Figurenentwicklung (mit dem starken Rutger Hauer im Zentrum) und ermöglicht zugleich mehrere lange Spannungsszenen. Auch der typische schelmische Tonfall Verhoevens blitzt trotz des düsteren Themas immer wieder auf.

Der Antikriegsfilm Die Brücke spielt in der Endphase des Zweiten Weltkrieges und erzählt von einem halben Dutzend Gymnasiasten, die ihre Kleinstadt gegen die einrückenden Amerikaner verteidigen sollen. Bernhard Wicki nimmt sich viel Zeit, um das Milieu der Protagonisten zu beschreiben und etabliert sie so als nahbare Figuren. Ihre jugendliche Naivität und die Wirkmächtigkeit der nationalsozialistischen Ideologie ergeben eine verhängnisvolle Mischung; die offensichtliche Leere der Nazi-Parolen verneint jeden Heroismus schon im Ansatz. Damit stellt Die Brücke die Sinnlosigkeit des Krieges nachdrücklich heraus – das Sterben bleibt schrecklich willkürlich und dient keinem Zweck.

In Platoon verarbeitete Oliver Stone seine eigenen Erfahrungen im Vietnamkrieg, in dem er zwei Mal verwundet und mehrfach ausgezeichnet wurde. Doch den Heldenmythen verweigert sich sein kritischer Film: Platoon nimmt dem täglichen Töten jeden Sinn, seine Protagonisten haben nichts zu gewinnen und bringen vergebliche Opfer. Zudem bedienen die subjektiv inszenierten Actionszenen unsere Schaulust nicht – die Gefechte beinhalten keine Erfolgserlebnisse und der Feind bleibt unsichtbar. Die hervorragende Besetzung – insbesondere Willem Dafoe und Tom Berenger – bleibt im Gedächtnis.

In dem autobiographisch gefärbten Antikriegsfilm der DEFA kehrt ein 19-jähriger Exildeutscher im Dienst der sowjetischen Armee zurück in sein Heimatland. Regisseur Konrad Wolf setzt auf einen semidokumentarischen Stil und lässt die Zustände der letzten Kriegswochen für sich sprechen: Es herrscht eine regelrecht apokalyptische Stimmung; nichts scheint mehr von Belang zu sein und doch ist der Tod noch allgegenwärtig. Aufgrund der „unschuldigen“ Perspektive des jungen Protagonisten erhält der Film eine große Nahbarkeit. Die Hauptfigur verkörpert die Suche nach einer neuen Identität, nach moralischer Orientierung und einer Zukunft in den Ruinen des Nationalsozialismus.

Der erste Antikriegsfilm der Kinogeschichte zählt nach wie vor zu den Höhepunkten des Genres. King Vidors Stummfilm Die große Parade überrascht zunächst: Nach der Grundausbildung wird der Protagonist nach Frankreich versetzt, landet jedoch nicht auf dem Schlachtfeld, sondern in den Armen einer jungen Französin. Indem Vidor Elemente einer romantischen Komödie nutzt, setzt er einen wirkungsvollen Kontrast – die Gefechte des Ersten Weltkrieges wirken durch die zuvor gezeigte Herzlichkeit noch sinnloser und brutaler.

Das Antikriegs-Epos Die Brücke am Kwai gewann sieben Oscars und setzt sich vornehmlich intellektuell mit dem Krieg auseinander. Anhand dreier gegensätzlicher Charaktere prüft der Klassiker von David Lean verschiedene Geisteshaltungen, doch weder Ehre, Ehrgeiz noch Zynismus helfen den jeweiligen Protagonisten, der Wahnsinn des Krieges lässt sich von keiner Weltanschauung bändigen. Leans Anklage gegen Militarismus und falsche Ideale überzeugt durch eine großartige Bildgestaltung, die den exotischen Schauplatz stimmungsvoll einfängt, und durch die ausgezeichneten Darsteller.

Der Klassiker von William Wyler entstand 1942 und erfüllte damit naturgemäß eine Propagandafunktion – umso bemerkenswerter ist die Subtilität, mit der Wyler vorgeht. Mrs. Miniver spielt nicht auf den Schlachtfeldern des Zweiten Weltkrieges, sondern an der Heimatfront, wo er eine britische Familie durch den Kriegsalltag begleitet. Dank der vorzüglichen Figurenzeichnung gelingt es Wyler, die volle Klaviatur der Emotionen zu bespielen. Sechs Oscars waren der Lohn, unter anderem für den besten Film und die beste Regie.

Die Hollywood-Adaption von Erich Maria Remarques berühmten Roman überzeugt auf ganzer Linie: Der bis dato aufwendigste Antikriegsfilm profitiert besonders von der Erfahrung des Regisseurs Lewis Milestone, der während des Ersten Weltkrieges in der Fotografie-Abteilung des US-Militärs gearbeitet hatte. Milestone kannte den Krieg aus erster Hand und überführte die bedrückende Realität in ein wuchtiges Filmerlebnis. Neben seinem schieren Aufwand überzeugt Im Westen nichts Neues durch beeindruckende Bildkompositionen, eine überraschend mobile Kameraarbeit und tolle Regieeinfälle.

Man nannte es den großen Krieg schickt zwei Streithähne in den Ersten Weltkrieg und inszeniert das Grauen als Tragikomödie. Der unkonventionelle Antikriegsfilm nimmt dabei Bezug zur damals beliebten Commedia all’italiana, negiert jedoch ihren Charme: Jeder Lacher bleibt im Halse stecken, da die humoristischen Anwandlungen sofort in Bitterkeit und Verzweiflung umschlagen. Mario Monicelli beweist viel Gespür für den richtigen Tonfall und nähert sich dem Thema niemals plump; sein Werk ermöglicht eine besondere Filmerfahrung, dessen finstere zweite Hälfte uns niedergeschlagen zurücklässt.

In Wege zum Ruhm schildert Stanley Kubrick die festgefahrenen Grabenkämpfe des Ersten Weltkrieges in großartigen Massenszenen, um anschließend die militärpolitische Verwaltung zu kritisieren: Krieg ist hier eine Materialschlacht, in der die Soldaten zu bloßen Planungseinheiten degradiert und von der Generalität rücksichtslos verfeuert werden. Indem Wege zum Ruhm die weltfremde Kaltherzigkeit der Generäle offenbart und als Kontrast dazu den fantastischen Kirk Douglas als moralischen Mahner installiert, verdiente sich Kubricks Werk einen Platz unter den großen Antikriegsfilmen der Kinogeschichte.

Mit Der Kanal schloss Andrzej Wajda seine mit Eine Generation und Asche und Diamant begonnene Kriegsfilmtrilogie ab. Der Film spielt 1944 und zeigt den Zusammenbruch des Warschauer Aufstands: Die Partisanen sind der deutschen Wehrmacht hoffnungslos unterlegen und ziehen sich in die Kanalisation der Stadt zurück. Hier spielt ein Großteil der Handlung, was Der Kanal einzigartig macht – die beengten Gänge, das ständige Flüstern und die unsichtbare Bedrohung durch die Nazis sorgen für eine beklemmende Atmosphäre und das fatalistische Finale hallt lange nach.

Vierundzwanzig Augen schildert die Beziehung zwischen einer jungen Lehrerin und einer Schulklasse über einen Zeitraum von 20 Jahren und stellt dabei heraus, welche Zäsur der Zweite Weltkrieg bedeutete. Das große Weltgeschehen macht auch vor der kleinen Dorfgemeinschaft nicht Halt und reißt sie auseinander, als sich die Schüler der Volljährigkeit nähern. Obwohl Kinoshita keinerlei Kampfhandlungen zeigt, schlägt er tiefe emotionale Wunden, weil lieb gewonnene Figuren auf immer verschwinden und ihre Lehrerin vor Leid vergeht. Obwohl es sich um ein Melodram handelt, entwickelt Vierundzwanzig Augen eine größere emotionale Wirkung als die meisten Antikriegsfilme.

Schon in Andrei Tarkowskis Debütfilm Iwans Kindheit ist die Meisterschaft des Ausnahmeregisseurs erkennbar: Der russische Filmemacher begleitet einen Jungen durch den Zweiten Weltkrieg und transportiert dessen Traumata über beeindruckende Bilder. Tarkowski visualisiert Iwans Dasein als Wechselzustand zwischen Realität und Albtraum; das erzeugt im Zusammenspiel mit der ausgeprägten Symbolik eine verwunschene Stimmung, verleiht dem Krieg jedoch auch einen besonderen Schrecken.

Der Antikriegsfilm Red Angel pendelt zwischen den Extremen: Nihilismus und Humanismus stehen hier gleichberechtigt nebeneinander und bilden eine absurde Mischung, die den Wahnsinn des Zweiten Weltkrieges widerspiegelt. Eine junge Krankenschwester und ein drogensüchtiger Arzt stehen im Zentrum der Geschichte, die über weite Strecken in einem Lazarett spielt, in dem sich regelmäßig amputierten Gliedmaßen stapeln. In Red Angel zerstört der Horror des Krieges die Protagonisten nicht nur körperlich, sondern auch geistig – sie verkommen zu leeren Hüllen, die versuchen, sich einen letzten Rest Menschlichkeit zu bewahren.

Das Boot ermöglicht ein atmosphärisch dichtes Filmerlebnis, denn den Großteil des 200-Minuten-Epos verbringen wir an Bord eines deutschen U-Boots in den eisigen Tiefen des Atlantiks. Da die überraschend mobile Kamera den beengten Verhältnissen trotzt und der Film statt Musik eine eindringliche Geräuschkulisse einsetzt, entwickelt Das Boot eine große immersive Kraft – wir erleben den oft ungewissen U-Boot-Krieg als Teil der Mannschaft. Aus dieser Unmittelbarkeit zieht die Romanverfilmung eine enorme Spannung, während die markanten Figuren den emotionalen Rahmen schaffen.

Schlacht um Algier ist ein ungewöhnlicher Antikriegsfilm: Er schildert den algerischen Unabhängigkeitskampf gegen die französische Kolonialherrschaft ohne eine konventionelle Handlung und verzichtet auf Heldenfiguren. Stattdessen nutzt Gillo Pontecorvo einen dokumentarischen Ansatz, der sich als idealer Kunstgriff entpuppt: Die Originalschauplätze und die Handkamera sorgen für eine authentische Unmittelbarkeit und versetzen uns mitten in den Konflikt hinein, doch zugleich ermöglicht die erzählerische Distanz einen klaren Blick auf den Strudel der Gewalt und die Verschiebung moralischer Grenzen.

Barfuß durch die Hölle III schließt Masaki Kobayashis 10-stündige Antikriegsfilmtrilogie ab und schickt seinen Protagonisten erstmals in den Krieg, der zu diesem Zeitpunkt fast vorbei ist. Wie in einem Road Movi bewegt sich Kaji durch die vom Feind überrannte Mandschurei, die im wunderschönen Breitbildformat eingefangen wird. Während der einstmals humanistische Held in den Vorgängern noch um Ideale rang, kämpft er inzwischen mit seinen zerlumpten Kameraden ums nackte Überleben. Kobayashi führt diese Entwicklung in Barfuß durch die Hölle III konsequent zu Ende und schließt seine Trilogie meisterhaft ab.

Die Mockumentary The War Game beschreibt die Auswirkungen eines Atomkrieges auf Großbritannien derart drastisch, dass die produzierende BBC den Film 20 Jahre lang unter Verschluss hielt. Die Fernsehanstalt hatte eine konventionelle Dokumentation erwartet und erhielt ein filmisches Inferno: Neben den beklemmenden Bildern zeichnet sich die Arbeit von Peter Watkins durch eine große intellektuelle Schärfe aus, die den Widersinn atomarer Waffen nachhaltig herausstellt und uns mit einer Schreckensvision konfrontiert, die lange nachwirkt.

Mit Apocalypse Now brach Francis Ford Coppola die Konventionen des Antikriegsfilms auf: Lose auf Joseph Conrads Literaturklassiker Herz der Finsternis basierend, treibt der Film die Soldaten wie in einem Road-Movie durch ein fiebriges Vietnam-Wunderland. Insbesondere in der Redux-Fassung mutiert der Krieg zur irrsinnigen Oper, der gigantische Produktionsaufwand ermöglichte überwältigende Bilder und eine hypnotische Stimmung. Das herausragende Darsteller-Ensemble um Martin Sheen und Marlon Brando rundet das rauschhafte Filmerlebnis ab.

Wie Andrei Tarkowskis Iwans Kindheit handelt auch Elem Klimows Komm und sieh! von einem russischen Jungen, der in den Wirren des Zweiten Weltkrieges überleben muss. Trotz dieser Gemeinsamkeit könnten die beiden Filme nicht unterschiedlicher sein – Tarkowskis Poesie weicht hier einer unbarmherzigen Realität aus Massakern und Schlamm. Die fantastische Kameraarbeit konterkariert einen hässlichen, unerbittlichen Film, der ob seiner Wucht zu den Meisterwerken des Genres zählt.