Die 25 besten

Coming-of-Age-Filme

der Kinogeschichte

Mit seinem Spielfilmdebüt Aniki Bóbó schuf Manoel de Oliveira einen Meilenstein des portugiesischen Kinos. Der Film schildert einen dramatischen Tag im Leben eines circa 8-jährigen Jungen und brilliert dabei durch eine stilistische Klarheit, die später typisch für den Italienischen Neorealismus werden sollte. Oliveira nutzt Originalschauplätze und Laiendarsteller, wodurch ihm eine ungekünstelte Schilderung der Lebenswelt der Kinder gelingt. Trotz einiger für Kinderaugen existenzieller Konflikte tendiert Aniki Bóbó nicht zur Schwere von ähnlich gelagerten Klassikern wie Buñuels Die Vergessenen oder Rossellinis Deutschland im Jahre Null, sondern bewahrt sich einen kindlichen Zauber. Dennoch lassen sich Anklänge an die Stimmung Portugals unter Diktator Salazar ausmachen.

Die auch als Ich glaub’, ich steh’ im Wald bekannte Coming-of-Age-Komödie Fast Times at Ridgemont High basiert auf den Highschool-Erinnerungen von Cameron Crowe (Vanilla Sky, Almost Famous), die Amy Heckerling mit ihrem Regiedebüt verfilmte. Crowe und Heckerling verzichten auf Plotpoints, das Geschehen entwickelt sich organisch und lässt so das Lebensgefühl einer Jugend in den Achtziger Jahren aufleben. Dazu tragen sympathischen Figuren, ihre aufstrebenden Jungdarsteller (Sean Penn, Jennifer Jason Leigh) und ein leichtfüßiger Humor bei. Dennoch driftet Fast Times at Ridgemont High nie ins Kindische ab – einige ernste und sexuelle Grundierungen verleihen dem Film eine Ambivalenz, die ihn von anderen Teenie-Komödien abhebt.

Ein Jahr nachdem Robert Bresson in Zum Beispiel Balthasar einen Esel unter den Makeln der Menschen leiden ließ, wiederholte er seine Anklage mit einem jungen Mädchen in Mouchette. Wieder zeichnet der Regisseur das pessimistische Bild einer Dorfgemeinschaft, die von Armut, Dumpfheit und Krankheit geprägt ist, und erneut opfert er seine unschuldige Hauptfigur diesem Milieu. Auch aufgrund der fantastischen Hauptdarstellerin Nadine Nortier kann sich Bresson auf seine Kernkompetenz konzentrieren und Mouchette ohne viele Dialoge gestalten. Der Film lebt durch die Kraft seiner Bilder und findet in seiner Bitterkeit einen Humanismus, der lange nachhallt.

Im schwedischen Coming-of-Age-Film Mein Leben als Hund muss ein 12-jähriger Junge vorübergehend zu Verwandten aufs Land ziehen und stößt dort auf eine eigentümliche Welt. Die liebenswerte Dorfgemeinschaft besteht aus Figuren voller Schrullen und Spleens. Die tragikomische Umgebung bietet die idealen Voraussetzungen für die Selbstfindung des jungen Protagonisten, der lernen muss, sich den Sinnfragen und Konflikten des Lebens zu stellen, anstatt wie bisher in ein hündisches Verhalten zu flüchten. Der Film von Lasse Hallström beweist eine große Warmherzigkeit und einen unaufgeregten Humor.

Das Melodram Fieber im Blut ist einer der großen Herzschmerz-Filme seiner Zeit. Er spielt im erzkonservativen Kansas der Zwanziger Jahre und erzählt von zwei Teenagern, deren Liebe von ihren Eltern nicht akzeptiert wird. Mit seiner gewohnten Beobachtungsgabe richtet sich Regisseur Elia Kazan gegen das Klassendenken und die Prüderie der älteren Generation und treibt das Geschehen konsequent in Richtung Tragödie. Diese wirkt umso stärker, weil das Traumpaar Warren Beatty und Natalie Wood herausragend harmoniert und eine große Energie in den Film bringt, der dadurch nie zum Klischeestück gerät.

Im Gegensatz zu anderen Coming-of-Age-Filmen versucht sich Waves nicht an einem einfühlsamen Porträt seiner Hauptfigur, sondern übersteigert das Leben des unter ständigem Druck stehenden Jugendlichen zu einer wuchtigen Tour de Force. Die Musik von Trent Reznor und die dynamische Kamera treiben uns durch neonlichtdurchflutete Bilderwelten, wie sie eher bei Gaspar Noé oder Nicolas Winding Refn zu erwarten wären. Die ruhelose erste Filmhälfte endet spektakulär; danach fällt Waves leider deutlich ab. Er wechselt den Tonfall und die Hauptfigur, führt seine Geschichte inszenatorisch wie inhaltlich deutlich simpler fort.

Über seine gesamte Karriere hinweg fokussierte sich der Fotograf und Regisseur Larry Clark auf das Leben von Jugendlichen. Nach seinem Meilenstein Kids verfilmte er erneut ein Drehbuch von Harmony Korine (Spring Breakers) und ging diesmal noch kompromissloser vor. Mit seiner zur Schau gestellten Freizügigkeit kokettiert Ken Park offensichtlich mit den Kontroversen des „Vorgängers“, hinter der grenzwertigen Freude am Tabu offenbart der 60-jährige Clark jedoch einmal mehr sein aufrichtiges Verständnis für die jugendlichen Protagonisten. Er hinterfragt die Elterngeneration und damit auch die Grundfesten amerikanischer Ideale, die längst nicht mehr mit den aktuellen Bedürfnissen der Jugendlichen übereinstimmen.

Die Coming-of-Age-Komödie Gregory’s Girl nutzt einen beschaulichen Vorort von Glasgow als Experimentierfeld eines naiven Teenagers, der zum ersten Mal Hals über Kopf verliebt ist. Dabei besticht der zweite Film des damals 33-jährigen Bill Forsyth durch großen Charme: Er etabliert einen vergnügten Tonfall und reiht pubertäre Eskapaden aneinander, ohne seinen Protagonisten auszustellen. Die mit trockenem Witz versetzten Dialoge und einige skurrile Nebenfiguren sorgen für Kurzweil und ergeben eine positive Botschaft: Die Pfade der Pubertät mögen seltsam und verschlungen sein, doch das Erwachsenwerden klappt schon irgendwie.

Bei seinem Kinostart entwickelte sich George Lucas‘ zweiter Film American Graffiti zum Sensationserfolg und ermöglichte es dem Regietalent, sein nächstes Projekt Star Wars zu entwickeln. American Graffiti nimmt eine episodenhafte Bestandsaufnahme von Jugendlichen zwischen Highschool und Universität vor und findet dabei eine entspannte Coolness. Diese entsteht durch die Natürlichkeit der jungen Darsteller, den niemals aufgesetzt wirkenden Humor und den für damalige Verhältnisse ungewöhnlichen Umfang des Rock ’n’ Roll-Soundtracks. Trotz des niedrigen Budgets ist der Film erstaunlich gut inszeniert, das Produktionsdesign und die Bilder beeindrucken noch heute.

Ben X nähert sich der Coming-of-Age-Thematik mit einem frischen Ansatz: Er erzählt von einem autistischen Teenager, der in der Schule gemobbt wird und sich zu Hause in die Welt eines Online-Computerspiels flüchtet – hier versteht er die Feinheiten, die ihm in der Realität fehlen. Der Film verbindet diese beiden Ebenen auf visuell clevere Weise und lässt uns Bens autistische Wahrnehmung direkt erleben. So gelingt es Ben X hervorragend, eine Beziehung zu seinem Protagonisten zu vermitteln, zumal Greg Timmermans den Jungen herausragend spielt. Das macht sich im überraschenden Finale bezahlt, das seine Wirkung nicht verfehlt.

Der britische Klassiker Deep End atmet den Geist der Swinging Sixties, deren Energie einen hoffnungslos verliebten 15-Jährigen ansteckt. Zu Beginn muten die Abenteuer des Teenagers wie eine charmante Komödie an: Regisseur Jerzy Skolimowski etabliert (auch dank der wunderbaren musikalischen Untermalung) einen beschwingten Tonfall, Situationskomik und skurrile Figuren sorgen für Kurzweil. In seinem Kern ist Deep End jedoch überhaupt nicht romantisch – er offenbart die schwierige Lage der Arbeiterklasse und den leeren Eskapismus der Ära; ein überraschender Tonfallwechsel im Finale lässt den Film dann endgültig zur Tragikomödie kippen.

Ein Sommer zum Verlieben ist das Opus magnum des Neuen Taiwanischen Kinos: In erstaunlich kurzweiligen vier Stunden schildert Edward Yang das Leben der Jugend im Taipeh der Sechziger Jahre. Sein reichhaltiges Zeit- und Gesellschaftsbild schwelgt in wunderschönen Bildern und baut eine dichte Atmosphäre auf, die die Historie Taiwans erlebbar macht. Dabei bewegt sich Yangs Film weitab jeder Sentimentalität, Ein Sommer zum Verlieben geht kritisch mit dem Kuomintang-Regime und seinem „Weißen Terror“ um und spiegelt die Auswirkungen der politischen Gewalt auch im brutalen Alltag der Jugendgangs. Dennoch besitzt Ein Sommer zum Verlieben auch viele herzliche und amüsante Momente, was für einen ambivalenten Gesamteindruck sorgt.

Die innere Sicherheit gibt seiner Coming-of-Age-Thematik eine ungewöhnliche Perspektive, denn die Eltern der 15-jährigen Protagonistin sind untergetauchte RAF-Terroristen. Der frühe Film von Christian Petzold bringt die Stärken der Berliner Schule hervorragend zur Geltung. Die schnörkellose Inszenierung lässt das Geschehen alltäglich aussehen und etabliert damit einen Kontrast, da die vermeintliche Normalität durch eine Enttarnung der Eltern jederzeit zur Eskalation getrieben werden könnte. Zu dieser ständigen Unsicherheit gesellen sich noch die alltäglichen Teenager-Probleme der Hauptfigur, die sich durch eine große Ambivalenz auszeichnet.

In seinem Spätwerk Guten Morgen variiert Yasujirō Ozu seine typische Themen auf ungewohnt leichtfüßige Weise: Statt wie sonst Erwachsene vor existenzielle Probleme zu stellen, porträtiert er einige Tage im Leben zweier Kinder. Zwar ersetzen fröhliche Pupsereien hier die Schwere seiner anderen Filme, Ozus Beobachtungsgabe und Empathie kommen aber wie gewohnt zur Geltung. In seinem typischen Stil betrachtet der Autorenfilmer die Welt der Erwachsenen aus Kinderaugen und findet dabei die Wahrhaftigkeit, die seine Werke ausmacht.

In Ratcatcher porträtiert Lynne Ramsay das Leben eines 12-jährigen, der in einem zugemüllten Glasgower Arbeiterviertel der Siebziger Jahre aufwächst. Dabei handelt es sich nicht um ein typisches Sozialdrama, weil die Regisseurin schon in diesem Debütfilm ein großes formales Gespür beweist. Sie verbindet die realistische Milieuschilderung mit einem poetisch dahinfließenden Erzählstil, der die Tristesse der Außenwelt mit dem Innenleben der Hauptfigur verbindet. Ein traumatisches Erlebnis schwebt wie ein Damoklesschwert über der Entwicklung des Jungen, der sich mit der Verarbeitung schwertut. All das formuliert Ratcatcher nicht aus, Ramsay lässt die Bilder und Stimmungen sprechen. Der Film spricht indes für sich selbst – ein eindrucksvolles Debüt!

Crazed Fruit zählt zu den Vorläufern der Japanischen Neuen Welle und ist ein Vertreter der Sun Tribe-Filme, die sich auf jugendliche Protagonisten fokussierten und das Lebensgefühl der japanischen Halbstarken auf die Leinwand brachten. Kô Nakahira zeigt den rastlosen Alltag zweier Brüder im Hochsommer mit einer modernen Inszenierung, die von einer agilen Kamera und einem bemerkenswerten Schnitt geprägt wird. Im Zusammenspiel mit der Musik des legendären Tōru Takemitsu entsteht ein Film, der keine Distanz zulässt und uns vereinnahmt – eine Perspektive, die die Sittenwächter erzürnte.

Der Debütfilm von Lukas Moodysson schildert die schwierige Freundschaft zwischen einem unbeliebten Mädchen und ihrer allseits anerkannten Klassenkameradin. Dabei setzt Raus aus Åmål auf eine ungekünstelte Inszenierung, die uns auf Augenhöhe mit den Protagonistinnen bringt – ihre Unsicherheiten und der auf sie wirkende Gruppendruck werden so nachfühlbar, ohne dass der Film das Geschehen dramaturgisch zuspitzen müsste. Das ist auch ein Verdienst der überzeugenden Hauptdarstellerinnen. Moodysson trifft derweil den richtigen Tonfall: Er nimmt die Konflikte der Figuren ernst, ergänzt sie aber mit einem Augenzwinkern, das den vorübergehenden Zustand der Adoleszenz verdeutlicht.

Die Einsamkeit des Langstreckenläufers ist ein Vertreter der British New Wave und zeichnet das Porträt eines perspektivlosen Jugendlichen im tristen Nottingham. Dabei geht der Klassiker von Tony Richardson weiter als viele ähnliche Filme der Strömung – die Einweisung des Protagonisten in eine Erziehungsanstalt erweitert die typische Milieubeschreibung um eine allgemeinere Ebene, die ein Plädoyer für Integrität und Individualismus formuliert. Die Entwicklung der Hauptfigur ist auch aufgrund des exzellenten Tom Courtenay spannend zu verfolgen.

Heutzutage ist Roy Andersson für surreal-lakonisches Kunstkino bekannt, doch in den Siebziger Jahren drehte der schwedische Regisseur noch konventionellere Werke. Besonders sein Debütfilm Eine schwedische Liebesgeschichte ist einen Blick wert: Andersson entwickelt einen gefühlvollen Coming-of-Age-Film über die erste Liebe zweier 15-jähriger Teenager, unterfüttert diesen jedoch mit einer weiteren Perspektive und stellt dem Glück der Protagonisten das Unglück der Erwachsenen um sie herum gegenüber. Diese hadern mit kaputten Ehen, Einsamkeit und Perspektivlosigkeit, was in latenter Aggression und existenzieller Verzweiflung mündet. Und im Finale blitzen dann sogar schon Anderssons Faible für surreale Momente und ein feiner, aber tragischer Humor auf.

Mit dem schonungslosen Sozialdrama Die Vergessenen gewann Luis Buñuel den Regiepreis in Cannes, sorgte aber auch für Kontroversen. Der Regisseur zeigt das Leben einer Gruppe von Kindern aus der Armutsschicht, die ihre Tage in den Straßen von Mexiko-Stadt verbringen. Der 80 Minuten kurze Meilenstein des mexikanischen Kinos ist deutlich durch den Italienischen Neorealismus geprägt und zeigt das Elend und die Perspektivlosigkeit der Kinder ohne erzählerische Schnörkel. Buñuel entwirft so eine wütende Anklage voller dramatischer Szenen, der omnipräsente Pessimismus macht Die Vergessenen auch heute noch zu einer eindringlichen Filmerfahrung.

2:37 beginnt mit einem Selbstmord auf einer Schultoilette und geht anschließend einige Tage zurück, um uns ein halbes Dutzend problembehaftete Schüler vorzustellen und eine Frage zu formulieren: Wer von ihnen wird sich das Leben nehmen? Mit dieser drastischen Prämisse bindet uns Murali K. Thalluri aktiv in das Geschehen ein und fordert unsere Beobachtungsgabe heraus. Passend dazu nimmt 2:37 eine distanzierte Perspektive ein und folgt den Figuren wie Gus van Sants Elephant mit eleganten Plansequenzen durch die Schulflure. Die geniale Auflösung der Geschichte hält uns den Spiegel vor und beendet den beeindruckenden Debütfilm auf schmerzhafte Weise.

Nachdem Lukas Moodysson seine Karriere mit den lebensbejahenden Werken Raus aus Åmål und Zusammen! gestartet hatte, schlug er mit Lilja 4-ever einen gänzlich anderen Tonfall an. Der schwedische Regisseur schildert die Leidensgeschichte einer allein gelassenen 16-Jährigen mit großer Wucht und bedrückendem Tonfall. Dabei zeigt Lilja 4-ever keine Gnade und inszeniert Liljas Werdegang als gnadenlose Abwärtsspirale: Durch immer neue Steigerungen zieht uns der Film ständig aufs Neue den Boden unter den Füßen weg und sorgt damit für eine intensive Filmerfahrung.