Die Nouvelle Vague

Letztes Jahr in Marienbad formulierte eine Einladung: Immer wieder aufs Neue dürfen wir dieses Monument der Filmgeschichte besuchen, uns in sein narratives Labyrinth begeben und stets neu entdecken. Das verwunschene Kurhotel und die ausschließlich aus Suggestionen bestehende Handlung aus der Feder von Alain Robbe-Grillet muten bei jeder Rückkehr anders an, denn Letztes Jahr in Marienbad lebt in besonderem Maße von der Imagination des Zuschauers. Die barocke Bilderflut und die hypnotische Orgelmusik leiten uns dazu an, unseren ganz eigenen Film zu sehen. Magischer kann Kino nicht sein.

Paris gehört uns zählt zu den frühsten Vertretern der filmischen Postmoderne und entwirft ein ewiges Rätsel: Er handelt entweder vom Alltag einer orientierungslosen Studentin oder beschreibt eine geheime Verschwörung, die ganz Frankreich erfasst. Weil der Debütfilm von Jacques Rivette das Geschehen ausschließlich aus der Sicht der ahnungslosen Protagonistin erzählt, bleibt uns ein Großteil der möglichen Handlung verborgen. Mit seiner spröden Inszenierung verstärkt der Regisseur den Eindruck des Nicht-Fassbaren noch. Sein sperriger Kunstfilm verzichtet auf eine Auflösung und mag daher zunächst unbefriedigend wirken, sein zeitloses Mysterium kann so jedoch immer wieder aufs Neue erkundet werden.

Mit viel Gefühl für Stil und Stimmung inszeniert Louis Malle in Das Irrlicht den melancholischen Abgesang eines Lebensmüden, der nach dem Alkoholentzug durch das fad gewordene Paris getrieben wird. In stimmungsvollen Schwarz-Weiß-Bildern fängt der Regisseur die Odyssee des Protagonisten ein und sinniert dabei über die Möglichkeiten unterschiedlicher Lebensentwürfe und die Frage, welcher Sinn dem Leben innewohnt. Die berühmte Klaviermusik von Eric Satie und das Schauspiel von Maurice Ronet gleichen einander in ihrem Minimalismus, in dem sich die ganze Welt verbirgt.

Mit Glück aus dem Blickwinkel des Mannes drehte Agnès Varda ein doppelbödiges Drama: Der Film schwelgt selig im Charme des französischen Kleinstadtlebens, die Stimmung ist durchweg lebensbejahend und die Bilder strahlen in fröhlichen Farben. Doch der Schein trügt, denn der Film manipuliert uns: Es handelt sich um einen feministischen Film aus Sicht eines Mannes, durch dessen subjektive Wahrnehmung wir das Geschehen erleben. Das von François verursachte Leid dämpft der Film auf leichte Irritationen hinunter, sodass Vardas Werk ein paradoxes Filmerlebnis bietet, das aufgewühlt zurücklässt.

Hiroshima mon amour zählt zu den frühen Vertretern der Nouvelle Vague und mutet bisweilen wie ein Essayfilm an. Getragen von den poetischen Dialogen der Schriftstellerin Marguerite Duras, begibt sich der Film in die Gedankenwelt seiner Protagonistin und lässt dabei Zeit und Ort sowie Bild und Ton mäandern. Aus den vielen Bruchstücken ergibt sich schließlich eine tragische Lebensgeschichte, die aufgrund der bemerkenswerten erzählerischen Form nur im Medium Film funktioniert. Deshalb bietet der schwermütige Klassiker von Alain Resnais eine besondere Filmerfahrung.

Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Alberto Moravia schildert Jean-Luc Godard in Die Verachtung das Auseinanderbrechen einer Ehe und erweitert den Plot noch durch einen Subtext, in dem er den Konflikt zwischen Kunst und Kommerz kommentiert. Godard zeigt sich deutlich gereift: Im Gegensatz zu manch vorheriger Arbeit stellt er sein handwerkliches Können in den Dienst der Geschichte; neben den herrlichen Sommerbildern bleibt insbesondere eine 30-minütige Dialogszene in Erinnerung, die zu den bemerkenswertesten der Kinogeschichte zählt. Dabei profitiert er auch von den Stars – Michel Piccoli, Brigitte Bardot und Jack Palance verleihen den schwierigen Figuren die wichtige Bodenhaftung.

Film Noir auf französisch: Fahrstuhl zum Schafott kombiniert drei Erzählstränge zu einer verhängnisvollen Kriminalgeschichte mit ungewöhnlichem Ansatz. Der Film von Louis Malle ist nicht auf größtmögliche Spannung aus, sondern seziert das Scheitern seiner Protagonisten in quälender Langsamkeit und erzeugt so einen enormen Fatalismus. Die Protagonisten verrennen sich in ihre Pläne, werden durch Zufälle zurückgeworfen und sind letztlich niemals Herr ihres Schicksals. Dabei kleidet sich Fahrstuhl zum Schafott in edles Schwarz-Weiß und die legendäre Musik von Miles Davis.

Elf Uhr nachts zählt zu den essenziellen Arbeiten Jean-Luc Godards und bringt dessen Schaffen auf den Punkt. Godard drehte eine Gangsterballade, erzählt als episodenhaftes Road-Movie im prächtigen Cinemascope seines Stammkameramanns Raoul Coutard. Elf Uhr nachts belegt Godards Liebe zum amerikanischen Genre-Kino, von dem er ein Best-of anfertigte: Der Film changiert ironisch zwischen unzähligen Versatzstücken – romantische Szenen, Gesangsnummern, comichafte Schlägereien und Verfolgungsjagden laufen ineinander. Damit lieferte Godard die Blaupause für das postmoderne Kino der Neunziger Jahre, Quentin Tarantino und die Coen-Brüder.

In Mittwoch zwischen 5 und 7 begleitet Agnès Varda eine junge Frau, die auf das Ergebnis einer ärztlichen Untersuchung wartet, beim Zeittotschlagen. Die ungewisse Situation verleiht dem Nichtstun eine ungewohnte Perspektive und betont den Wert und die Schönheit von Alltagsmomenten, die wir normalerweise kaum wertschätzen. Vardas Film beobachtet mehr als das er erzählt; der mal melancholische, mal fröhliche Tonfall sorgt dabei für Abwechslung. Nebenbei entwirft Mittwoch zwischen 5 und 7 eine Liebeserklärung an das sommerliche Paris.