Das Kino vor der Nouvelle Vague lässt sich als literarisch beschreiben – Filme erzählten dieselben Geschichten wie Romane, indem sie diese mit visuellen Mitteln nachstellten. Polemisch ausgedrückt, diente das Kino nur als Verlängerung der literarischen Kunst für den Konsum durch die breite Gesellschaft.

Mit dieser Zweitklassigkeit gaben sich die Vertreter der Nouvelle Vague nicht länger zufrieden. Das Medium Film sollte keine Buch-Geschichten, sondern dezidierte Kino-Geschichten erzählen und sich so als eigenständige Kunstform ersten Ranges behaupten. Um die Macht des Literarischen zu brechen, strebten die Regisseure nach neuen narrativen und inszenatorischen Ausdrucksformen.

Zu diesen selbstreflexiven Bezügen gesellen sich postmoderne Ansätze, die den biederen Ernst des literarischen Kinos aufbrechen. So spielen die Werke der Nouvelle Vague etwa mit der Formelhaftigkeit von Genres, deren Plotelemente und Erzählmuster ironisch kommentiert oder verändert werden.

Das gilt auch für Figuren, die oft eine comichafte Note erhalten. Zu den Grundtugenden der Strömung zählt ein heiterer Tonfall, der selbst ernste Szenen mit einem Augenzwinkern versieht und uns mit dieser Meta-Ebene daran erinnert, das alles nur ein Film ist.

Sowohl die Selbstbezüge als auch die postmodernen Elemente finden sich inzwischen überall im Kino, etwa bei Quentin Tarantino, Jim Jarmusch und David Lynch.

Vor allem prangerte Truffaut die Bequemlichkeit der Drehbuchautoren an, die kaum originäre Stoffe, sondern reihenweise literarische Vorlagen adaptierten. Zudem monierte er den Umgang mit den Texten, die von den Autoren grob umgeschrieben wurden, um sie leichter verfilm- und vermarktbar zu machen.

Als Folge dieser Zustände stellte Truffaut die fehlende künstlerische Weiterentwicklung des Kinos fest und erteilte der alten Tradition der Qualität eine Absage, weil ihre Monotonie den Kinogänger vom Film entfremde.

Daraus schlussfolgerte Truffaut, ein moderner Film dürfe nicht länger ein unpersönliches Produkt vieler Beteiligter sein, sondern müsse einem maßgeblichen Autor unterstehen – dem Regisseur. Dieser sollte die volle inhaltliche und künstlerische Kontrolle erhalten, um eine persönliche Vision umsetzen zu können.

Diese Sichtweise wurde kontrovers diskutiert. Als Autorentheorie wurde sie vielfach angenommen und umgesetzt. Fortan bezeichneten sich viele Regisseure als Autorenfilmer. Wo früher Studios und Stars die Aushängeschilder der Kinobranche waren, erarbeiteten sich die Regisseure nun ebenfalls einen Ruf und stiegen zur Marke auf.

Die durch amerikanische Regisseure inspirierte Nouvelle Vague fand den Weg zurück über den Atlantik und beeinflusste nun ihrerseits die jungen Filmemacher in den Vereinigten Staaten. Diese erhielten die Chance, das US-Kino zu modernisieren, da die großen Studios so dem Zeitgeist der späten Sechziger Jahre folgen wollten. Dieses New Hollywood-Kino dekonstruierte etablierte Genres, setzte sich mit gesellschaftskritischen Themen auseinander und legte seine Werke deutlich künstlerischer an.

Für einige wenige Jahre bildete die Tschechoslowakei ein Kreativzentrum des Kinos: Als das sozialistische Regime die Zügel lockerte, ermöglichte es eine neue Kunstfreiheit. Darauf hatten die Filmemacher des Landes gewartet: Mitte der Sechziger Jahre drehten sie eine Reihe bemerkenswerter Werke mit oft heiterem Tonfall, in dem sich jedoch bittere Spitzen gegen die Politik und die Gesellschaft verbargen. Die Niederschlagung des Prager Frühlings beendete die blühende Strömung leider viel zu früh, doch ihre experimentierfreudigen Filme bleiben.