Die 30 besten Filme

von 2000 bis 2009

Saw trat 2004 in die Fußstapfen der populären Serienkiller-Thriller Das Schweigen der Lämmer und Sieben: Der in nur 18 Tagen abgedrehte Low-Budget-Film avancierte über Nacht zum Sensationserfolg. Regisseur James Wan verdichtet das ohnehin schon limitierte Kammerspiel ständig weiter – immer neue Wendungen verändern die Perspektive auf das Geschehen und die Figuren, sodass die Intensität fortwährend ansteigt. Der musikvideoartige visuelle Stil mag nicht ästhetisch sein, trägt jedoch zur angespannten Stimmung bei. Im Gegensatz zu den immer brutaler geratenen Nachfolgern der Filmreihe beschränkt Saw seine visuelle Gewalt auf ein Minimum. Er spielt seine Schrecken vor allem auf der psychologischen Ebene aus und erweist sich damit als äußerst effektvoll.

Die goldene Ära des Western mag lange vorbei sein, doch alle Jubeljahre beglückt uns auch das moderne Kino mit einem raren Meilenstein. So einer ist das elegische 160-Minuten-Epos Die Ermordung des Jesse James durch den Feigling Robert Ford, der die Mythen des Wilden Westens kritisch hinterfragt. Seine Melancholie erinnert an die Western der New Hollywood-Ära und wirkt dank der imposanten Bilder von Roger Deakins trotzdem zeitgemäß. Der langsame Aufbau zahlt sich im letzten Filmdrittel aus, das mit einer ungeahnten Wucht shakespearescher Prägung überrascht.

Der argentinische Kriminalfilm In ihren Augen gewann 2010 den Oscar für den besten fremdsprachigen Film. Juan José Campanella schildert eine mehrere Jahre umspannende Mordermittlung mit einem ungewöhnlich ambivalenten Tonfall: Die pointierten Dialoge sorgen für einen hohen Unterhaltungswert und humoristische Spitzen, was der Film mit der Dynamik eines Thrillers und der Schwere eines Dramas kombiniert. Dabei ist In ihren Augen hervorragend gespielt und beeindruckend gefilmt, insbesondere eine großartige Plansequenz bleibt im Gedächtnis.

In Das weiße Band entwirft Michael Haneke das Sittengemälde einer norddeutschen Dorfgemeinschaft am Vorabend des Ersten Weltkrieges. Ein Kriminalfall gibt den Anlass, um die Machtstrukturen zwischen den gesellschaftlichen Schichten und innerhalb der Familien zu erkunden. Trotz der edlen Schwarz-Weiß-Fotografie ist Das weiße Band ein bedrückender Film. Die vorgebliche Ordnung des repressiven Milieus setzte bei den Protagonisten einen Gärprozess in Gang, abseits der Kamera scheinen sich Abgründe aufzutun. Der Zusatztitel „Eine deutsche Kindergeschichte“ nimmt das Ergebnis vorweg: Die Kinder der Erzählung werden später in Nazideutschland leben und wirken.

Wie die Romanvorlage so die Filmadaption: Ex Drummer sorgte für Kontroversen, weil er sein Publikum in eine schmuddelige Unterschichtenwelt hinabzieht und das Elend auch noch schwarzhumorig kommentiert. Der Zynismus und die omnipräsente Gewalt wären deutlich leichter zu verdammen, wenn Koen Mortier nicht so ein begnadeter Regisseur wäre – seine kreative Inszenierung zieht uns den Boden unter den Füßen weg und sorgt für eine herausfordernde Filmerfahrung, die ihre wahren Motive erst im Finale aufdeckt: Nicht die dysfunktionalen Protagonisten, sondern wir Zuschauer stehen am Ende bedröppelt da.

Gerry ist der der erste Teil in Gus van Sants loser Trilogie des Todes, die er mit Elephant und Last Days fortsetzte. Der Regisseur vollzog eine radikale Abkehr vom kommerziellen Kino und drehte einen Film wider aller erzählerischer Konventionen: van Sant lässt zwei Männer (Matt Damon, Casey Affleck) ohne Plot und Dramaturgie durch eine Wüste laufen. Dank der minutenlangen, bildgewaltigen Einstellungen wirkt das Geschehen zunächst meditativ, doch im weiteren Verlauf kippt es in blanken Nihilismus: Die Dialogarmut, die ausdruckslosen Darsteller und das allumfassende Nichts der Wüste werfen uns auf uns selbst zurück und ermöglichen so eine besondere Filmerfahrung, die unsere Sehgewohnheiten aufbricht.

Mit Kill Bill trieb Quentin Tarantino seine Zitierfreude auf die Spitze und verarbeitete Lady Snowblood, Die Braut trug schwarz sowie eine Vielzahl von Martial-Arts-Filmen und Western zu einem zweiteiligem Racheepos. Man kann Kill Bill seine inhaltliche Schlichtheit, seine stilistischen Brüche und seine vor sich her getragene Coolness vorwerfen; an den spektakulären Action-Choreografien, der meisterhaften Kameraarbeit und dem Schauspielensemble gibt es aber nichts zu rütteln. Tarantinos Pastiche ist letztlich ein grandioses B-Movie mit hohem Unterhaltungswert.

Tödliche Entscheidung setzt einen eindrucksvollen Schlusspunkt unter die 50-jährige Kinokarriere von Regisseur Sidney Lumet, der hier einen Neo-Noir ohne postmoderne Spielereien abliefert, sich stattdessen auf den Kern der Strömung konzentriert. Lumet entwirft ein fatalistisches Szenario, dessen Protagonisten nur verlieren können, und spitzt es erbarmungslos zu. Die Wechselwirkungen der Figuren werden durch clevere Rückblenden und Perspektivwechsel ausgereizt, wobei der Film von seiner überragenden Besetzung profitiert – Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke und Albert Finney liefern allesamt intensive Karrierehöhepunkte.

Mit dem zweiten Teil seiner Batman-Trilogie führte Christopher Nolan das Superheldenkino zu neuen Höhen. The Dark Knight entwickelt die Saga noch stärker in eine düstere Richtung: Er stürzt seinen Helden in moralische Dilemmata und Konflikte, die nicht zu gewinnen sind. Damit stellt er das Vigilantentum grundsätzlich infrage und folgt der Agenda des fantastischen Antagonisten. Der Joker und seine Darstellung durch Heath Ledger setzten die Glanzpunkte des Films, der durch ein hohes Tempo und aufwendige Actionsequenzen einen enormen Unterhaltungswert generiert.

Oldboy bildet das Mittelstück in Park Chan-wooks Rachetrilogie, die mit Sympathy for Mr. Vengeance begann und mit Lady Vengeance endete. Die Handlung orientiert sich an einem Klassiker des Rache-Topos, Alexandre Dumas‘ Graf von Monte Cristo: 15 Jahre Gefangenschaft nehmen dem Protagonisten den Zugang zu seiner Umwelt und jeder Form von Normalität, in der er sich nach seiner Entlassung keinen Bezug mehr aufbauen kann. Diese Entfremdung überträgt Park durch ein geniales audiovisuelles Konzept auf uns Zuschauer: Die Bildgestaltung ist ungemein kreativ, Kamera und Schnitt sorgen für ständige Überraschungen, die gefühlvolle Musik kontrastiert die drastischen Gewaltspitzen. Auch Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung bleibt Oldboy ein Unikum.

Mit Enter the Void löste sich Gaspar Noé noch konsequenter als zuvor vom Erzählkino und schuf ein Filmerlebnis, dass das Kino in seiner puren Form feiert. Erst erleben wir das Geschehen 30 Minuten lang durch die Augen des Protagonisten (Blinzeln inklusive), dann entfesselt dessen Tod die Kamera; für den Rest der 160-minütigen Spielzeit schweben wir mit seiner Seele durch das nächtliche Neonlicht Tokios. Noé und sein Kameramann Benoît Debie entwerfen eine berauschende Bilderwelt, inhaltlich bleibt der Film mit seiner buddhistisch angehauchten Leben-nach-dem-Tod-Vision eher diffus. Wie Noés Lieblingsfilm 2001: Odyssee im Weltraum ist auch Enter the Void ein Werk zum unterbewussten Fühlen, nicht zum Verstehen.

Als Haupttreiber der Dogma 95-Bewegung predigte Lars von Trier einst größtmöglichen Realismus, wenige Jahre später vollzog er eine Kehrtwende: Sein 178-Minuten-Epos Dogville ist eine Liebeserklärung an das brecht’sche Theater und spielt komplett auf einer Bühne. Das titelgebende Dorf besteht lediglich aus Markierungen und wenigen Requisiten, was uns ein faszinierendes Filmerlebnis beschert. Der Abstraktion zum Trotz erweist sich Dogville als höchst lebendiger Film, woran besonders das spektakulär besetze Ensemble einen Anteil hat. Wie immer geht von Trier schonungslos mit Figuren und Publikum um, stellt Fallen und Herausforderungen, kommentiert und belehrt. Das mag nicht immer wahrhaftig sein, bleibt aber nachhaltig in Erinnerung.

Die Graphic Novel von Alan Moore und Dave Gibbons zählt zu den Referenzwerken ihrer Gattung, doch die Filmadaption von Zack Snyder steht der Vorlage in nichts nach. Mit sicherer Hand vereint der Regisseur verschiedene Genres und Stile zu einem homogenen Mix. Watchmen bespielt ein breites Themenfeld und erzeugt eine bedeutungsschwangere Schwere; trotzdem garantieren die Coolness der Figuren, der Humor, die launige musikalische Untermalung und die stilsicher inszenierte Action einen hohen Unterhaltungswert. Damit erweist sich Watchmen als Unikat: Als Blockbuster mit Ecken und Kanten, der seinem Publikum viel zutraut und durch großen Stilwillen imponiert.

Sunshine startet als klassisches Sci-Fi-Abenteuer: Er spielt ausschließlich im Weltraum bzw. in einem Raumschiff, dessen achtköpfige Crew sich auf einer Mission zur Rettung der Erde befindet. Die berauschenden Bilder sorgen für eine dichte Stimmung, während das Drehbuch von Alex Garland (Ex Machina) Suspense aus den internen Spannungen der Besatzung zieht. Doch dann traut sich Sunshine etwas Besonderes: Der Film transzendiert den bis dahin „realistischen“ Plot, beschwört den Fiction-Aspekt des Genres und etabliert einen nicht-fassbaren Antagonisten. Am Finale im Stil eines Slasher-Films scheiden sich die Geister; es bringt definitiv eine neue Dynamik ein.

Anhand von einem Dutzend Figuren und einer mehrere Jahre umfassenden Handlung entwirft City of God ein Porträt des Lebens in den brasilianischen Favelas. Obwohl der Werdegang der Protagonisten von Armut, Perspektivlosigkeit und Kriminalität geprägt ist, verzichtet Fernando Meirelles auf einen erhobenen Zeigefinger, sein Film besitzt ein Herz für seine Figuren und durchaus auch humorvolle Seiten. Der Plot ist reich an Details und mitreißend inszeniert, formal überzeugt City of God durch eine dynamische Kameraführung und die ansehnliche Bildgestaltung.

Nachdem Lukas Moodysson seine Karriere mit den lebensbejahenden Werken Raus aus Åmål und Zusammen! gestartet hatte, schlug er mit Lilja 4-ever einen gänzlich anderen Tonfall an. Der schwedische Regisseur schildert die Leidensgeschichte einer allein gelassenen 16-Jährigen mit großer Wucht und bedrückendem Tonfall. Dabei zeigt Lilja 4-ever keine Gnade und inszeniert Liljas Werdegang als gnadenlose Abwärtsspirale: Durch immer neue Steigerungen zieht uns der Film ständig aufs Neue den Boden unter den Füßen weg und sorgt damit für eine intensive Filmerfahrung.

Zu einer Zeit, als das Internet noch am Beginn seiner heutigen Bedeutung stand, drehte Kiyoshi Kurosawa den Arthouse-Horrorfilm Pulse, der erstaunlich früh der fortschreitenden Digitalität der Menschheit nachspürte. Hier transferiert eine Welle von Selbstmorden Menschen ins digitale Nichts, während ihre Körper verschwinden. Kurosawa verzichtet weitestgehend auf Schockmomente und setzt auf ein bedächtiges Tempo, um eine erst mysteriöse und später apokalyptische Stimmung zu erzeugen. Wenn sich Tokio (wortwörtlich) zur Geisterstadt entwickelt, spielt sich der Horror vornehmlich auf einer existenziellen Ebene ab: Das analoge Leben gerät zur Sackgasse der medialen Welt und konfrontiert die Zurückgebliebenen mit einer tiefgehenden Einsamkeit.

In einer Zeit voller gefühliger, aber austauschbarer Independentfilme gelang Marc Webb ein Geniestreich dieser Gattung: (500) Days of Summer unterscheidet sich aufgrund einiger kluger Kniffe von anderen Vertretern. Insbesondere die narrative Verschachtelung implementiert einen echten Mehrwert: Der Film erzählt die 500 Tage währende Liebesbeziehung nicht chronologisch, sondern in mäandernden Episoden, die sich bisweilen direkt widersprechen und Kontraste setzen. Dabei überzeugt (500) Days of Summer durch großen Ideenreichtum, unaufgeregten Humor, kreative visuelle Einfälle, einen tollen Soundtrack und die Chemie zwischen Joseph Gordon-Levitt und Zooey Deschanel.

Die Theateradaption Hautnah zeigt ein großartiges Ensemble (Natalie Portman, Jude Law, Julia Roberts, Clive Owen) in wechselnden Paarkonstellationen. Ihre Konflikte sorgen für dauerhafte Spannung: In pointierten Dialogen zwingen die Figuren einander mit kompromissloser Direktheit zum Seelenstriptease. Hautnah verzichtet auf Klischees und Konventionen und begegnet seinem Publikum auf Augenhöhe; er traut uns zu, das Innenleben der Figuren ohne die Hilfe erzählerischer Krücken zu ergründen. Regisseur Mike Nichols (Die Reifeprüfung) beweist wieder einmal seinen besonderen Zugang zu Menschen am Scheideweg ihres Lebens – Hautnah ist ein Meisterwerk.

The Descent evoziert auf meisterhafte Weise existenziellen Horror: Er schickt sechs Frauen auf eine Odyssee durch ein unterirdisches Höhlensystem und überrascht mit blutigen Konflikten. Da sich der Film viel Zeit für die Exposition und die Figuren nimmt, verkommt er trotz einiger Schocks nie zur Gewaltorgie. Der klaustrophobische Schauplatz und die finsteren Bilder sorgen für ein Höchstmaß an Atmosphäre. Durch die psychisch labile Hauptfigur und einige erzählerische Brüche lässt The Descent mehrere Lesarten zu, was dem intensiven Filmerlebnis einen zusätzlichen Reiz verleiht.

Wie so viele Science-Fiction-Stoffe basiert auch A Scanner Darkly auf einer Vorlage von Philip K. Dick (Blade Runner, Minority Report). Der Adaption gelingt es ausgezeichnet, die diffusen Stimmungen des Romans einzufangen: Die Paranoia einer dauerüberwachten, drogenzerfressenen Gesellschaft, den absurden Humor der Drogenkonsumenten und die Tragik der zerbrechenden menschlichen Beziehungen. Diese zerfahrene Welt erhält durch das ungewöhnliche Animationsverfahren eine passende visuelle Entsprechung. Aufgrund des vielschichtigen Inhalts und einer spielfreudigen Besetzung (Keanu Reeves, Woody Harrelson, Robert Downey Jr.) zählt A Scanner Darkly zu den interessantesten Sci-Fi-Filmen seiner Ära.

Twentynine Palms zählt zu den seltenen Seherfahrungen, die geradezu körperlich spürbar sind. Bruno Dumont entwirft einen radikal reduzierten, existenzialistischen Albtraum: Er sperrt ein aufgrund einer Sprachbarriere dysfunktionales Paar in die menschenfeindliche kalifornische Wüste und schildert ihre Tage zwischen Wortlosigkeit und rüdem Sex. Inmitten der inneren wie äußeren Leere erscheint eine Flucht unmöglich, folglich reiht Dumont lediglich fragmentarische Episoden aneinander, ohne durch erzählerische Kompromisse eine Entwicklung oder einen Ausweg aufzuzeigen. Die latente Aggression und das archaische Setting münden in einem schockierenden Finale, das lange nachhallt.

Dem jung verstorbenen Regisseur und Drehbuchautor Brad McGann ist mit seinem ersten und zugleich letzten Film ein Meisterwerk gelungen. Die neuseeländische Romanverfilmung Als das Meer verschwand besitzt eine enorme erzählerische Dichte und umfasst genügend Material, um drei bis vier Filme zu füllen. Das Drehbuch vereint diverse Genres (Coming of Age- und Kriminalfilm, Drama, Thriller) und mehrere Zeitebenen zu einem in sich geschlossenen Konstrukt, das Schicht um Schicht abgetragen wird und dabei stetig neue Facetten enthüllt. Die inszenatorische Zurückhaltung, die Schönheit der neuseeländischen Landschaft und die starken Darsteller halten den Film trotz der vielen Motive nahbar und ungekünstelt.

In seinem Debütfilm Brick verlegt Rian Johnson den Film Noir an eine kalifornische High School. Das Experiment einer Detektivgeschichte unter Jugendlichen funktioniert prächtig, da der Film seinen postmodernen Ansatz nicht überreizt; er verzichtet auf offensichtliche Ironie und gestattet sich lediglich ein lakonisches Augenzwinkern. Brick besticht durch ein schnörkelloses Drehbuch, das insbesondere in den erstklassigen Dialogen immer sofort zum Punkt kommt. Es hält den Plot lange mysteriös und beschwört einen düsteren Tonfall, ohne aufgesetzt zu wirken. Das ist auch ein Verdienst der starken Jungdarsteller um Joseph Gordon-Levitt, die angenehm subtil spielen.

Mit seinem zweiten Werk Memento feierte Christopher Nolan seinen Durchbruch und bewies nach Following erneut sein Faible für kreative Narrative. Der Thriller über einen rachsüchtigen Mann ohne Kurzzeitgedächtnis erzählt seine Handlung sowohl vom Anfang als auch vom Ende aus, sodass viele Szenen in umgekehrter Chronologie zu sehen sind und sich ein Puzzle voller spannender Brüche ergibt. Die verdrehte Zeitebene wandelt die dem kleinen Budget geschuldete Nüchternheit in eine Stärke um: Das Geschehen von Memento erscheint stark verdichtet und erzeugt so einen großen Fatalismus. Zu letzterem trägt auch Guy Pearce bei, der die Hauptfigur eindringlich verkörpert.

Die Romane von Pulitzer-Preisträger Cormac McCarthy fußen auf einer sprachlichen Ökonomie, die sie unverfilmbar erscheinen lässt, doch den Coen-Brüdern ist mit No Country for Old Men eine würdige Adaption gelungen. Sie erzählen so verdichtet wie möglich, bleiben immer im Präsens, halten durchweg ein Tempo. Dadurch evoziert der Film ein Gefühl der Endgültigkeit – die Jagd eines soziopathischen Killers (famos: Javier Bardem) auf einen Mann mit gestohlenem Drogengeld scheint wie auf Schienen zu verlaufen, das Schicksal aller Beteiligten bereits vorgeplant zu sein. Der durchdringende Fatalismus und die konzentrierte Regie der Coens formen No Country for Old Men zu einem herausragenden Werk.

In Prestige entwirft Christopher Nolan ein Vexierspiel um zwei rivalisierende Bühnenmagier des späten 19. Jahrhunderts und nutzt dafür einmal mehr eine komplexe Narration, die über mehrere Erzählebenen Schicht um Schicht der gegenseitigen Täuschungen abträgt, bis wir zum Kern der Geschichte vorstoßen. Die leidenschaftliche Abneigung der beiden Protagonisten sorgt für einen emotionalen Kern und verhindert damit die kühle, technische Distanz der späteren Werke Nolans. Dabei ist Prestige auch noch schön gefilmt, fabelhaft ausgestattet und mit charismatischen Darstellern versehen.