Die 30 besten Filme

von 1950 bis 1959

In Bei Anruf Mord beschäftigt sich Alfred Hitchcock einmal mehr mit seinem Lieblingsthema: dem perfekten Mord. Er inszeniert die Adaption eines Broadway-Stücks als perfides Kammerspiel und beobachtet mit dem amüsierten Blick des Voyeurs, ob und wie sich der Täter aus der Affäre zieht. Ray Milland spielt den Schurken hinreißend, was den Film zu einem diabolischen Vergnügen macht – weil Millands Figur nicht gänzlich unsympathisch ist, bereitet es großen Spaß, ihm beim Herauswinden zuzusehen. Hitchcock zieht eine enorme Spannung aus der Reduktion des Szenarios und konnotiert die heikle Situation des Protagonisten mit süffisantem Augenzwinkern.

Mit dem schonungslosen Sozialdrama Die Vergessenen gewann Luis Buñuel den Regiepreis in Cannes, sorgte aber auch für Kontroversen. Der Regisseur zeigt das Leben einer Gruppe von Kindern aus der Armutsschicht, die ihre Tage in den Straßen von Mexiko-Stadt verbringen. Der 80 Minuten kurze Meilenstein des mexikanischen Kinos ist deutlich durch den Italienischen Neorealismus geprägt und zeigt das Elend und die Perspektivlosigkeit der Kinder ohne erzählerische Schnörkel. Buñuel entwirft so eine wütende Anklage voller dramatischer Szenen, der omnipräsente Pessimismus macht Die Vergessenen auch heute noch zu einer eindringlichen Filmerfahrung.

Im Zeichen des Bösen markiert den Endpunkt des klassischen Film Noir. Der Theaterliebhaber Orson Welles legte sein Werk wie ein shakespearesches Drama an und steigerte die Schwarze Serie auf das größtmögliche Maß, was sich besonders in der Figurenzeichnung bemerkbar macht. Die grandiose Kameraarbeit und der pessimistischen Tonfall etablieren eine neurotische Stimmung, in besonderer Erinnerung bleiben die legendäre Plansequenz zu Beginn des Films und die gigantische Präsenz von Orson Welles als Antagonist.

Der Fremde im Zug bringt die typischen Motive von Alfred Hitchcock auf den Punkt: Die Patricia Highsmith-Verfilmung verwickelt einen Unschuldigen in eine Mordgeschichte, baut dabei eine große Spannung auf und versetzt das Geschehen untergründig mit schwarzem Humor. Als Motor der Geschichte dient einer der markantesten Bösewichte in Hitchcocks Schaffen – ein Psychopath mit Mutterkomplex und Vaterhass. Hitchcock setzt dessen Missetaten in ansehnlichen Bildern und mit effektvollen inszenatorischen Tricks um.

Mit Der Kanal schloss Andrzej Wajda seine mit Eine Generation und Asche und Diamant begonnene Kriegsfilmtrilogie ab. Der Film spielt 1944 und zeigt den Zusammenbruch des Warschauer Aufstands: Die Partisanen sind der deutschen Wehrmacht hoffnungslos unterlegen und ziehen sich in die Kanalisation der Stadt zurück. Hier spielt ein Großteil der Handlung, was Der Kanal einzigartig macht – die beengten Gänge, das ständige Flüstern und die unsichtbare Bedrohung durch die Nazis sorgen für eine beklemmende Atmosphäre; das fatalistische Finale hallt lange nach.

Heißes Eisen verlieh dem Film Noir eine neue Härte: Der Klassiker von Fritz Lang etabliert einen rauen Tonfall und überrascht mit drastischer Gewalt. Auch der Werdegang des Protagonisten ist bemerkenswert, der Cop auf Rachefeldzug bewegt sich an der Grenze zum Antihelden. Die starken Figuren werten den soliden Plot entscheidend auf, Heißes Eisen versammelt gleich mehrere spannende Frauenfiguren und einen psychopatischen Schurken, der von Lee Marvin formidabel gespielt wird. Die stilsichere Inszenierung von Fritz Lang bietet den passenden Rahmen für diesen düsteren Film Noir.

Mit Ein zum Tode Verurteilter ist entflohen drehte Robert Bresson einen der besten Gefängnisfilme und entwickelte die Sprache des Kinos weiter. Der Autorenfilmer brach mit erzählerischen Standards, reduzierte Form und Inhalt so stark wie möglich und spaltete die Bild- von der Tonebene ab. Damit schuf der Regisseur ein transzendentes Werk: Die Betonung des Oberflächlichen impliziert eine unsichtbare, bei Bresson stets spirituelle Ebene – sein Film setzt sich mit dieser verborgenen Kraft auseinander und unternimmt den Versuch, das Unfassbare fassbar zu machen.

Der Scharfschütze hebt sich deutlich von anderen Western seiner Zeit ab: Einerseits nutzt er stilistische Anleihen aus dem Film Noir, andererseits zeichnet er sich durch einen nachdenklichen Pessimismus aus, der erst 15 Jahre später durch die Western des New Hollywood-Kinos salonfähig werden sollte. Ein Großteil der 80 Minuten verbringt der Film als Kammerspiel, wobei er eine fatalistische Stimmung und diverse Konfliktherde aufbaut. Neben der durchgängigen Spannung bleiben vor allem der hervorragende Gregory Peck und das clevere Finale in Erinnerung.

Frauengefängnis zählt zu den bedrückendsten Knastfilmen der Kinogeschichte. Mit für damalige Verhältnisse kompromissloser Drastik und finsteren Film Noir-Bildern zeigt das B-Movie von John Cromwell die Haftanstalt nicht als Ort der Resozialisierung, sondern als Moloch mit faschistischen Zügen. Das Drama schildert den Werdegang einer naiven jungen Frau zur abgebrühten Insassin ohne moralischen Kompass und changiert dabei zwischen wütender Anklage und zynischer Abrechnung. Obwohl Frauengefängnis ausschließlich hinter Gittern angesiedelt ist, sinniert er auch über die gesamtgesellschaftliche Wahrnehmung von Frauen. Cromwells Film Noir ist zudem glänzend gespielt und spannend in Szene gesetzt.

Das Wort offenbart, warum Carl Theodor Dreyer zu den großen Formalisten des Kinos zählt. Der dänische Regisseur reduziert den Film mit statischen Einstellungen und niedriger Schnittfrequenz auf die wesentlichsten Bestandteile; die wirkungsvolle Mise en Scène verleiht den Bildern etwas Gemäldeartiges. Die Strenge der Kompositionen erschafft eine Welt, in der etwas fehlt – damit legt Dreyer das Fundament für eine Reflexion über sein religiöses Sujet. Dennoch ist Das Wort ein erstaunlich unterhaltsamer Film voller Lebendigkeit, Spannung und Humor. Das legendäre Finale transzendiert den Stoff dann endgültig und belegt die Einzigartigkeit von Dreyers Werk.

Das ungewöhnliche Melodram Das letzte Ufer spielt nach einem Atomkrieg und schildert die letzten Tage der Menschheit. Der sichere Tod durch eine atomare Wolke, die auf Australien zusteuert, dient der Handlung als Katalysator: Er zwingt das halbe Dutzend Figuren zu einer Auseinandersetzung mit sich selbst und stellt die Frage, wie sie den kurzen Rest ihres Lebens verbringen wollen. Daraus zieht der Film von Stanley Kramer eine große Melancholie, die von einem beeindruckenden Staraufgebot ambivalent verwertet wird.

Ausgerechnet mit einer Komödie gelang Ingmar Bergman der Durchbruch – Das Lächeln einer Sommernacht schildert die Ehen und Affären von einem halben Dutzend Figuren als ironischen Reigen der Eitelkeiten und Eifersüchte. Bergman inszeniert den Kampf der Geschlechter mit souveräner Leichtigkeit und kontrastiert die gehobenen Umgangsformen mit banalen Sünden. Die in feinen Dialogen vorgetragenen verbalen Gefechte der Protagonisten sorgen für einen hohen Unterhaltungswert, wie nebenbei stellt der Regisseur noch profunde Überlegungen zum Wesen der Liebe an. Die wunderschönen Schwarz-Weiß-Bilder sind an eine Komödie fast schon verschwendet.

1950 drehte Billy Wilder eine bitterböse Abrechnung mit Hollywood: Sunset Boulevard entblößte seinerzeit wie kein zweiter Film die Schattenseiten des Glamours und die Wahnwitzigkeit des Starkultes. Wilder ließ den bei den Oscars bevorzugten Alles über Eva zahm wirken, wurde als Nestbeschmutzer angefeindet und zugleich für sein Können bewundert. Sunset Boulevard etabliert mit seinen pointierten Dialogen und barocken Bildern eine dichte, pessimistische Stimmung, gespickt mit garstigen Kommentaren auf Hollywood. Auch das Ensemble überzeugt durchweg, insbesondere das gekonnte Overacting von Gloria Swanson hallt lange nach.

Die Adaption des berühmten Theaterstücks erzählt von der Freundschaft eines Eigenbrötlers (fantastisch: James Stewart) und eines magischen zwei Meter großen Hasen, der für seine Mitmenschen und uns Zuschauer unsichtbar bleibt – wenn es ihn denn überhaupt gibt. Die (Bar-)Ausflüge der beiden bescheren der liebenswerten Komödie zahlreiche Gags, die zielsicheren Dialoge tragen ebenfalls zum hohen Unterhaltungswert bei. Mein Freund Harvey nutzt die ausnahmslose Freundlichkeit des naiven Protagonisten, um ein zeitloses Plädoyer gegen Vorurteile und starre Konventionen zu formulieren und sich für Toleranz und Nächstenliebe einzusetzen. Ein famoser Klassiker fürs Herz!

Vierundzwanzig Augen schildert die Beziehung zwischen einer jungen Lehrerin und einer Schulklasse über einen Zeitraum von 20 Jahren und stellt dabei heraus, welche Zäsur der Zweite Weltkrieg bedeutete. Das große Weltgeschehen macht auch vor der kleinen Dorfgemeinschaft nicht Halt und reißt sie auseinander, als sich die Schüler der Volljährigkeit nähern. Obwohl Kinoshita keinerlei Kampfhandlungen zeigt, schlägt er tiefe emotionale Wunden, weil lieb gewonnene Figuren auf immer verschwinden und ihre Lehrerin vor Leid vergeht. Obwohl es sich um ein Melodram handelt, entwickelt Vierundzwanzig Augen eine größere emotionale Wirkung als die meisten Antikriegsfilme.

Der Klassiker von William Wyler verpflanzt einen gebildeten Großstädter (Paraderolle: Gregory Peck) in den Wilden Westen, wo er zwischen die Fronten eines Kleinkrieges zweier Viehzüchterfamilien gerät. Weites Land füllt seine 165-minütige Spielzeit nicht mit zig Schusswechseln, sondern beschäftigt sich ausführlich mit den gegensätzlichen Figuren, ihrer Moral und der Frage, wie Gewalt entsteht. Dabei besticht Wylers Werk durch pointierte Dialoge und starke Darsteller; die exquisiten Landschaftsaufnahmen vermitteln ein Gefühl für die Schönheit und Abgeschiedenheit des kaum erschlossenen Wilden Westens.

Rattennest ist ein B-Movie, das Filmgeschichte schrieb: Der Klassiker von Robert Aldrich verleibte sich den klassischen Film Noir ein, kaute ihn gehörig durch und spuckte etwas Neues aus – den ersten Neo-Noir. Ohne jeden Respekt übersteigert Aldrich die Figuren und Motive der Schwarzen Serie bis ins Comichafte und orientiert sich dabei deutlich an der Nouvelle Vague. Er bricht mit traditionellen Regeln des Filmemachens, stellt die Filmhaftigkeit des Geschehens offen aus und dekonstruiert die Semantik des Film Noir. Sein postmoderner Ansatz verwandelt die simple Detektivgeschichte in eine sensationelle Pulp Fiction, die den Film Noir am Ende wortwörtlich in die Luft sprengt.

Agatha Christie lieferte die Vorlage für diesen vorzüglichen Gerichtskrimi, den Billy Wilder zu den unterhaltsamsten Vertretern des klassischen Hollywood-Kinos formte. Der vielseitige Regisseur bringt die Spannung eines Kriminalfilms und den Witz einer Komödie ohne Brüche zusammen – die hohe Gagdichte sorgt für Kurzweil, die Wortwechsel vor Gericht fesseln mit ihren Volten und führen in ein bemerkenswertes Finale. Das Charisma von Marlene Dietrich und das nuancenreiche Spiel von Hauptdarsteller Charles Laughton verleihen Zeugin der Anklage den letzten Schliff.

In seinem 75 Minuten kurzen Meisterstück Pickpocket erzählt Robert Bresson aus dem Alltag eines Taschendiebes, der immer mehr den Zugang zur Gesellschaft verliert. Der Regisseur setzt auf seine typisch minimalistische Inszenierung und verleiht dem Film trotzdem eine enorme Eleganz. Die visuelle Reduktion hält Bresson nicht davon ab, simple Szenen mit großer Bedeutung aufzuladen, wobei sich Parallelen zu den Romanen von Camus und Dostojewski ergeben. In besonderer Erinnerung bleiben die fesselnden Taschendiebstahlszenen, die sich Bresson bei Samuel Fullers Polizei greift ein abschaute.

Alles über Eva dominierte die Oscar-Verleihung des Jahres 1951 mit 14 Nominierungen und sechs Auszeichnungen; Joseph L. Mankiewicz gewann im zweiten Jahr in Folge die Preise für Drehbuch und Regie (im Vorjahr für Ein Brief an drei Frauen). Alles über Eva porträtiert das New Yorker Theatermilieu in einem heiteren Tonfall, doch das sollte uns nicht einlullen – das clevere Drehbuch serviert einen doppelbödigen Plot und hinterfragt den Glanz des Showbusiness. Das exzellente Ensemble um die umwerfende Bette Davis sowie die pointierten Dialoge sorgen für einen hohen Unterhaltungswert.

Im Mysterythriller Die Teuflischen ermorden zwei Frauen ihren Peiniger und müssen dann befürchten, er sei von den Toten auferstanden. Henri-Georges Clouzot versetzt uns in ihre Lage und hält das Geschehen in ständiger Unsicherheit – gibt es eine kriminologische Erklärung oder handelt es sich um einen übernatürlichen Horrorfilm? Die subtile Inszenierung und das düstere Schwarz-Weiß füttern die Paranoia mit viel Suspense, die starken Darstellerinnen verleihen dem perfiden Plot die nötige Glaubwürdigkeit.

Unter den vielen großen Dramen von Yasujirō Ozu ist Tokio in der Dämmerung das finsterste. Der Meisterregisseur bleibt seinen stilistischen Grundsätzen treu, setzt allerdings stärker als sonst auf dramatische Effekte und überrascht mit einem ungewohntem Pessimismus. Passend dazu kleidet Ozu das grimmige Geschehen in erlesene Schwarz-Weiß-Bilder, die das winterliche Tokio noch trister aussehen lassen. Die Unerbittlichkeit, mit der Tokio in der Dämmerung Themen wie die familiäre Entfremdung und das anonyme Großstadtleben beschreibt, ist einzigartig in Ozus Filmografie.

Asche und Diamant nimmt eine niederschmetternde Bestandsaufnahme Polens nach dem Zweiten Weltkrieg vor und schildert nachfühlbar, wie Einwohner und Volksseele des Landes zwischen den deutschen und russischen Besatzern zermalmt werden. Anhand einer Rahmenhandlung um ein politisches Attentat baut Andrzej Wajda Spannung auf und bricht die nationale Tragödie auf persönliche Einzelschicksale herunter, ohne das große Ganze aus den Augen zu verlieren. Die allumfassende Tristesse setzt der Regisseur mit ansehnlichen Bildern und trauriger Ironie in Szene.

Ein einsamer Ort vereint die beiden schicksalhaftesten Spielarten des Kinos: den Film Noir und das Melodram. Dass hier ein Mord die Grundlage für eine Liebesgeschichte bildet, illustriert die Schwärze des Stoffes, der fortwährend Zynismus und Fatalismus versprüht. Dabei brilliert der Film von Nicholas Ray durch starke Dialoge und lebt besonders von Hauptdarsteller Humphrey Bogart, der in seiner Karriere viele große Rollen meisterte, aber nie besser spielte als in Ein einsamer Ort.

Mit seinem Epos Die sieben Samurai modernisierte Akira Kurosawa das japanische Kino, begründete das Genre des Actionfilms und beeinflusst Generationen nachfolgender Filmemacher. Wie sein Vorbild John Ford zieht Kurosawa ein groß angelegtes Spektakel auf und schickt seine Helden in ein ambivalentes Abenteuer: Der Film baut regelmäßig Spannung auf, entwickelt durch unterhaltsame Dialoge und humorvolle Szenen einen hohen Unterhaltungswert und fußt auf einem tragischen Fundament, das die Szenen mit Bedeutung auflädt. Die sieben Samurai imponiert durch tolle Schauspieler und eine effektvolle Inszenierung; er bietet aber noch weit mehr als das und nutzt die Action, um universelle Überlegungen zu moralischen und gesellschaftlichen Fragen anzustellen.

Der unsichtbare Dritte ist vielleicht der unterhaltsamste Film von Alfred Hitchcock, der hier einen komödiantischen Thriller allererster Güte serviert. Die einfallsreiche Geschichte um einen Unschuldigen, der in eine Verschwörung gerät, strotzt nur so vor memorablen Momenten und schlagkräftigen Dialogen. Hauptdarsteller Cary Grant erweist sich als Idealbesetzung, da er die Spannungsszenen und das humoristische Fach gleichermaßen beherrscht. Zudem beweist Hitchcock vollendeten Stilwillen, seine kunstvolle Inszenierung wertet Der unsichtbare Dritte entscheidend auf.

Der Antikriegsfilm Feuer im Grasland bietet ein außergewöhnliches Erlebnis. Das Werk von Kon Ichikawa schickt einen japanischen Soldaten auf eine Odyssee über ein pazifisches Eiland, das längst von den Amerikanern überrannt wurde. Der Regisseur entfesselt das Grauen des Krieges, ohne den Sensationen des Genres anheimzufallen: Gerade die Beiläufigkeit der schockierenden Szenen erweist sich als effektvoll. Die erhabenen Schwarz-Weiß-Bilder beeindrucken ebenso wie die ausgezeichneten Schauspieler – das eindringliche Spiel des völlig abgemagerten Tatsuya Nakadai bleibt lange in Erinnerung.